局部第一季

最近在看陈丹青的《局部》，网络视频，共16集，目前第一季。

不好说这是个什么类型的节目，脱口秀似乎也不确切，作为“秀”，他的表达方式显然有差异；叫文化讲座又没那么系统和正式，漫谈式的格局，又总是从一个话题展开到另一个话题。

但就是这样一个不好定义的非类型化节目，却意外地具备了很大的吸引力。

对于公众人物，不论了解多少，我们通常总会有自己一个或直观或理性的认知，但对陈丹青，我心中却一直怀有一种不确定感，因此也无法有自己的评判。

他的社会知名度与其说来自作品，不如说更多来自他的公共行为，比如早年间尽人皆知的辞职风波，而一以贯之的老愤青做派更简直可以说是他的招牌了。

我在美院上学的时候他还在校，在东三环那个著名美术院校小小的原址里，你时常会邂逅一个穿黑色立领学生装的人迎面而来，圆眼镜后面一双愤世嫉俗目不斜视的牛眼，步伐总象是去赶着干一件什么要紧事似的，此人就是陈丹青。

从他身旁经过，你能感觉到一小股煞气和焦虑，这是属于他的气场。

画作见过几幅，在校内外各种大小展览上，没什么特别的印象，大约鉴赏力还是不够，也只会在看到署名时恍叹一声而已。

校内讲座听过一次，规模很小，没有明确主题，具体内容记不太清了，基本还是批判现行艺术教育制度大骂英语考试之类的，有两件事印象深刻：抽烟与骂娘，但南方口音的粗口，说实话有点儿怪怪的。

很惭愧，作为一名美术生，我并未对陈丹青的画有过深入了解，文学作品也是少有阅读，看得最多的恐怕还是网上流传的各种视频，讲座访谈之类的，还有一个跟韩寒的对谈印象比较深，他似乎有点儿把自己当成鲁迅了。

还是说回局部吧。

第一讲是王希孟的《千里江山图》，我当时一下觉得震惊了，瞬间竟有电光火石之感。

时空倒转穿越回某省某市某校某系的一间小黑屋里，三十多个人围坐在一起，随着幻灯机切换的咔哒声，墙壁上呈现出无比真切夺目的流光溢彩，那是中国美术史的作品鉴赏课，而让我最深深记住的，就是这个名字，王希孟。

“此画创作时作者仅18岁，也是唯一传世的作品。。

去世时年仅23岁。。

”，眼前一片青绿山水明媚，学习委员的声音都因此变得充满磁性无比动听，我瞬间感动了，不知是为作品还是生平，也许兼而有之，十几二十岁的年纪，最容易为这种传奇打动。

而到如今我已两倍于王希孟的年纪，却依然没有做成过一件也许在18岁就该做成的事，在漫长无为的岁月中，我是从什么时候开始把王希孟淡忘的呢？

貌似在讲画意旨又象不在画，他后来又讲了我喜欢的梵高，讲了我认识却不了解的《流民图》，讲了一直被我误解的杜尚，还讲了更多我从未听闻的画家和作品：徐洋、瓦拉东、安吉利科、民国女画家……看似随意的选题实则煞费苦心，以冷僻的画家或名画家的冷僻作品切入，牵扯出无数相关信息，这是他的眼界与学识；以他的视角和取舍帮你在某处开一个小孔，带着你从这些小孔中一窥艺术世界的万千精彩，这是他的趣味与手段。

“他总是越过故事主角的肩头，张望远处正在走动的人。

”这大约是他自己的方式，也是“局部”的释义。

节目平实的节奏彰显着巨大的用心：一幅幅作品精美逼真的呈现，适度的现代科技的融入，最加分的是音乐，严丝合扣，张亚东不只是个人名，那是品质的保障。

透过陈丹青干瘪得近乎枯燥的语调，你仍然可以感觉到他的悲悯与慷慨。

这实质上是一档门槛较低的大众美育普及节目，而真善美在当下的社会已如蓝天般稀缺，恶趣味，却如雾霾般长期驱之不散。

我也终于明白，不管是原来的老愤青还是如今好脾气（装的也罢）的娓娓道来，陈丹青也只是在做他自己而已，节目本身已如良师益友，与其妄加评判不如多看几遍。

第二季已经出来了，我才偶然看到第一季。

好像前阵子《千里江山图》大热的时候，也谈论到陈丹青。

对热点这东西我一直都不太留心，并没有什么骄傲的资本，却不知道这样的态度算不算另一种自负。

其实这种状况很像看各色展览，逛各种博物馆，你总是避不开人群，但是又别无选择。

然而对于看一档节目就自由很多，当它冷却下来不再被热议，如果某一刻它仍然吸引了你，就如一场偶遇般惊喜。

正如陈丹青说他去佛罗伦萨的圣马可教堂，看一间间小禅房里安吉里柯的湿壁画。

同样的宗教题材，同样的人物画面，在这般安静的无人打扰的情形下，此刻仿佛化身其间修行的僧侣，你会有许多不一样的感受。

画与它所产生的环境是一体的，你会明白为什么安吉里柯宁愿放弃做高官的机会，只想在这里画画。

片头的音乐让我想起《从卢浮宫到紫禁城》，当时看这部纪录片的时候，不太明白为什么到了最后就成了东西方绘画的对比。

现在才明白，原来绘画在西方艺术史相当长的时间里占据着绝大多数的篇幅。

纪录片介绍的是主流的大众的，而陈丹青讲的是完全私人的。

他很认真的写了讲稿，甚至写得很文艺，但他非要端着稿纸好似漫不经心地念出来，似乎在告诉我们这档节目属于“订件”。

然而他越是漫不经心你越是听得仔细，恐怕一个思维跟不上，就会少许多美妙的体验似的。

可是他讲的仅仅是“局部”，或许他自己都不知道自己讲了些什么。

他是自负的，当他说到人们向他索求答案的时候他会想死，当他看到那些考美院的孩子们的素描时他会想死。

这种没有原因可说也许就是另一种自负吧，只是他用了相当谦逊于主流的方式来表达，然而越是冷静就越是鄙夷，他的自负比木心高明。

木心赞美鲁迅写的雪，然而他自己写的我以为比不上鲁迅。

有一次我看到，木心拿自己和曹雪芹比，这种狂妄或许近似梵高认为自己将来会闻名世界一样，是艺术家的特质。

然而我只想问问，即便木心和曹雪芹可比，那么我们的时代和曹雪芹的时代能不能比，如何比？

实际上许多事败就败在你要去比，只要一比，就势必会把自己的思维困住，尚未下笔，就已经输了。

而陈丹青说，世界历史上之所以有那么多伟大的文明，是因为他们不知有彼此。

古希腊、古埃及、古巴比伦、古代中国都是如此。

我们是历史的后来者，我们什么都知道，所以我们控制不住要自作聪明地去比较一番，这才是一本正经胡说八道。

我们如何去比较我们的上下五千年？

你喜欢哪个朝代或者不喜欢哪个朝代。

如果严肃一点说，你没有喜不喜欢的资格，你只能去了解、认识，尽可能的接纳。

陈丹青说到徐扬的《南巡图》，诚然清朝是柔弱的、萎靡的、艳俗的，然而这就是清朝，和你所了解的广汉盛唐一样，它的存在不可替代。

陈丹青说王希孟的年轻，说梵高的憨，说古希腊是人类历史的少年期。

他是在说一种元气和灵气，说人之生来的你没有办法的天分，这一点才是最稀缺最要紧的。

如果少了这一点，你可以有学术，可以有传统，也可以有技巧，但却都构不成那个特别的你。

我们这个时代，和以往不同的是，并不存在什么迫切需要解决的，尖锐到关乎生死的矛盾，所以我们的信仰也并不是那些可以拿出来呐喊的凛然大义。

没有什么鲜明的旗帜，很包容也很多元，我们只想听点新鲜的。

不一定要有什么用，而这一点新鲜却格外的难得。

比如大多数人认可古希腊的雕塑是静穆的，而鲁迅偏要说，它们在诞生的时候也是雪白的，崭新的，在阳光下发闪的。

我们这一生会学到许多东西，眼界也会随着所学一点点广阔。

可是等你老了再来看，却发现念念不忘的还是那几个作家，那几部电影，那几幅画，那几首歌。

好像我们的情感归属其实老早就定格在自己的青春时代，只是有的人会一直保留着这元气和灵气，而有的人则一辈子纠结挣扎。

我们不断地练习，不断地练习，却丝毫也不敢说自己到了怎样的程度。

我们只想等来上帝垂青的那一刻，好像那幅画不是你画的，那首诗也不是你写的，正如王希孟一样，那是上帝让他画的。

so just like 木心 and 陈丹青 have already pointed many times, the ancient Greece art productions are so much unbelievable and amazing.There are any good points about this art production, for example, the Marcel Duchamp gave up his painting career at the ending of his life because he believe that the classical art time has already past.Additionally, the ancient Greek statuary once have colours on its appearance which shocked me a lot.Anyway, now the point is nowadays what kind of arts do we still need?the beginning of the western culture is for exploring and expressing. The life is complexed and mystery, so art can help us to fight with this boing world, and help us to have a overview of the human being.for the future, we may are in the middle/ gap of two big civilizations, we shouldn’t forget about that.

在视频泛滥的时代，想把艺术欣赏节目做出新意，已经不容易了。

很多名作，由于被过多拍摄和过度传播，已经令人产生视觉疲倦。

为了吸引观众，制作者不得不绞尽脑汁，或者杜撰花边奇闻，或者邀请当红演员助阵，以期制造耸动的效果。

这部《局部》却反其道而行之，删繁就简，一人一椅，面对镜头，不紧不慢，絮叨那些打动过他的画或雕塑。

镜头里的那个人，是陈丹青。

2004年，陈丹青因不满国内的美术教育招生制度愤而从清华美院辞职后，逐渐疏离公共媒体。

近年，他偶尔出现在窦文涛主持的《锵锵三人行》上，不料，去年，这档火爆的脱口秀节目也莫名停播了。

最近，看一篇微信介绍《局部》，说第2季有望今年年末播出，我才知道《局部》2015年出过第1季。

陈丹青是个画家，也是一个很会讲故事的人。

如果有一个这样的人做你的老师，你大概不会希望下课铃声响起吧。

陈丹青很喜欢梵高，连续在好几集里讲梵高，他说看到梵高早期学画时期的素描，心里想：“他妈的，这才是真正的绘画！

”而看很多美院考生的素描，他的感觉是：“看得我都想死”。

我搭同事Y的车，在回家的路上，给她讲这一段。

Y听得大笑，说：“为什么？

”我说：这就是问题所在，一个好老师很厉害的地方就在于能引发你的思考。

恰好我也很喜欢梵高，要我看，梵高的画自带动感，画中的一切都有一种呼之欲出的生命力。

照陈丹青的说法，梵高是个很憨的疯子，他笔下的人物都憨憨的，大巧若拙。

陈丹青展示了一幅梵高初学画时的作品，一个没有五官的渔夫，他讲了很久，也没讲清楚这幅画好在哪儿，他只是反复说就是喜欢这幅画。

说到底，一幅画是无法用语言完全描述出来的，语言和画的交集总是有限度。

陈丹青走过世界上很多地方，到过很多美术馆和博物馆，看过很多画家的原作，他讲他和这些作品相遇时的场景和感受。

看到《巴齐耶的画室》，他想到自己的年少岁月，最初特别想有一个画室，等到真的有一个画室，一帮朋友整日在画室里混，简直就是画中的样子。

巴齐耶画出了他内心的幸福时光。

他感叹自己度过那样的日子，却从没想过要画一幅这样的画。

女性如何看待女性的身体？

男性又如何看待男性的身体？

瓦拉东，是那个时代少有的女画家，她画中的女性裸体，更像自己的家人和朋友，在很私密的闺房中，在生活化的场景里。

而巴齐耶，在那个对同性交往讳莫如深的时代，画笔下的男性裸体，看起来是那么的健康和自然。

观众喜欢陈丹青的讲解，说他视角独特，我倒觉得他在做一件回归常识的事，他让人们意识到一个事实：只要你是一个活着的人，只要你有感情，有一双眼睛，就可以去欣赏那些陈列在博物馆的艺术品。

而有很多专家，实在是把艺术欣赏弄得太复杂了。

《局部》第1季第1集，讲的是《千里江山图》，我看过一篇文章，作者在这幅画上做了非常详细的标注，说明哪个部分代表祖国的哪座山、哪座关隘。

我看了，倒吸一口凉气，觉得自己是个不配看这幅画的白痴，我真的看不出来，一幅抽象的青绿山水画，怎么就能代表具体的地址呢？

陈丹青的讲解就不那么吓人。

他说，这幅画的气魄很大，把每一部分放大，局部也能自成一景，处处好看。

他还特别提到这幅画的作者王希孟只有18岁，唯有年轻人才能对这个世界有着这么大的好奇，才能有这么大的胆量和自信，画出如此大气又精细的作品。

陈丹青说，他做这个节目完全是想到哪里讲到哪里，一集讲完就不知道下一集该讲什么。

但，他手里也是拿讲稿的，而且这个讲稿还被整理出版了，书名是《陌生的经验 陈丹青艺术讲稿》。

所以，有理由相信，他的讲解也并非完全随意，他也是做了一些功课的。

我注意到，陈丹青在讲解一个艺术家时，经常会联系到另外一个绘画主题相似的艺术家，一般都是一个中国艺术家对比一个外国艺术家。

比如，专画穷苦人，中国有王式廓，德国有珂勒惠支；反战题材画，中国有蒋兆和的《爸爸永不回来了》、《流民图》，西班牙有毕加索的《格尔尼卡》；注重场景和细节，中国有清代宫廷画家徐扬，意大利威尼斯有卡帕齐奥；等等。

《局部》第1季以杜尚为结尾。

以前，我不能理解这个拿着小便池去参展的艺术家何以能获得那么大的声誉。

现在我明白了，杜尚身体力行的自由精神为后世的艺术家打开了无数条路，举着反传统、反权威的大旗，各种“作”就可以名正言顺了。

有人问晚年的杜尚还画画吗，杜尚答“不会”，又随口说“你又不欠社会一张画”。

是的，画画不能成为对生命的要求和束缚，既成的艺术准则也不应成为艺术家身上的枷锁。

不过，话虽如此说，并不代表我喜欢杜尚的小便池。

我只是惊悟：如果人能够自觉对既定的社会准则保持警惕，审美就不可能变得整齐划一，思想亦如是。

这一系列我看得非常过瘾，不是那种麻辣点评的一时解气痛快，我就在想到底是什么东西让我觉得这么好。

陈丹青没有掉书袋讲知识，所以不枯燥。

那他讲什么呢？

讲人，讲活生生的人，七情六欲吃喝拉撒，讲得极有代入感，让你进到当时的场景去看去想。

就像陈丹青自己讲的：他是一个喜欢问问题的人，但不在乎答案。

比如印象派为什么当时不被待见？

一个原因是当时的人们觉得那样的画没完成。

那到底怎么样一幅画才算完成？

这个问题问得太厉害了，我当时差点从座位上跳起来。

我勉强算受过一段时间的绘画训练，刚开始画丙烯，老师总说我没完成，可我明明觉得已经都到位了。

后来画过一段时间，眼睛看到的东西多了想法多了，就会没完没了地改，甚至成为一副过度完成的作品。

我就会想什么时候罢手怎么样叫结束？

因为觉得一直可以改下去一直都没完成，所以通通没有装画框。

陈丹青拿毕加索的话说：这些画还是活的，一旦装画框就死掉了。

看到这一段的时候我简直兴奋地发抖。

啊，把我无意识里的东西都讲出来了，百分之百击中痛点。

陈丹青厉害的地方之一，是语言有时候非常到位，非常会问问题。

不知道是不是受了木心的启发，寥寥几句，精彩绝伦，好到你想打他。

每集像是有主题，可陈丹青又常常讲着跑题，看似讲的是些细节和八卦，但他们却四两拨千斤地再现了绘画史。

印象派那么多大名鼎鼎的画家，他偏偏讲那个从模特转型画家的女画家瓦拉东，画女裸体也画男裸体；他讲印象派可以到户外画自然光是因为针管颜料的发明；他讲印象派画家和印象派音乐家一起玩耍，配乐放了德彪西……你会发现19世纪从工业技术、性别观念到文化解构经历着全方位的革命，所见的横空出世都是水到渠成，见细节更见整体。

陈丹青的解读是整体的，格局很大，又落脚小，看上去不拘一格。

这些都是表面上的好，可以形容出来。

但真正的好是他的思维方式，所有的观点都是思维方式的体现。

节目里他举的很多例子是去服务他观点的，和事实可能存在误差。

但这不重要。

对这里提到的知识不必过于认真，打基础肯定要自己抱大部头去啃去吃苦。

思维方式的获得养成比纯粹的知识要难多了。

一般人，学不像。

有空多想想。

第一季第一集 王希孟 《千里江山图》第二集 布法马可 《死亡的胜利》《地狱》“可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力。

”“因为我们中国的绘画文化、绘画传统，是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》。

”第三集 蒋兆和 《流民图》“可是孟德斯鸠说过一句话：人在苦难中才更像一个人。

”“大家想想看，这是一个受难的民族，一个战胜国对待《流民图》的态度，这幅问世于沦陷时代的创作，日本敌国怎样憎恨不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭遇憎惧，权力的意志让这幅画辗转于高层的毒语和封尘的库房，《流民图》中的流民像鬼魂一样流进蒋先生的画里，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月背负罪名、差点被销毁，这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难。

”第四集 文森特·梵高 《杏花》《吃土豆的人》在荷兰初学画时的早期作品 憨人梵高 大巧若拙 画穷苦人的对比 德国珂罗惠支的《暴乱》 中国王式廓的《血衣》第五集 巴齐耶 《画室》《粉红色连衣裙》《家庭团聚》《夏日》第六七八集 文森特·梵高 《海边的渔夫》谁养艺术家、绘画的放纵、非正式魅力。

画家从巫师、到宫廷画师、到“self-employ”。

7以前画家的宫廷订件和印象派画家的自由创作。

锡管颜料的诞生让印象派随时随地作画得以实现。

一起写生的毕沙罗和塞尚的画作的对比，毕沙罗尽量完成，而塞尚每幅画都没有完成，“打开的作品openwork”。

8“毕加索说过另外一句话，他说希腊人，罗马人，文艺复兴人，在那画画都有一个规则，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

”“（吴作人）他说你们要知道，什么时候停下来，要知道画，也要知道不画。

”晚年的德加眼睛不太看得见了，就做点雕塑，也喜欢写十四行诗，写完之后就给他的诗人朋友马拉美看。

“他说，哎呀，我心里还有很多意象，没有写出来，结果马拉美对他说，亲爱的，诗不是意象，是字和词。

德加是非常刻薄的一个人，也非常会说话，可是听到这句话，他说，我在你面前丢丑了。

”“碑不如告，告不如书。

石刻的碑文不如墨写的文件，墨写的文件不如私信的草稿。

”“但我要提醒大家，所谓未完成，所谓打开的作品，是一个早就过时的命题，早就过时的革命，但所有革命啊，遗患无穷，除了若干天才，自从印象派闹了这么一场之后，全世界千千万万画家就猖狂起来，画了不知道多少糊涂乱抹未完成的画。

那么‘尽其妙也’也是一句漂亮话，漂亮话也是遗患无穷的。

”第九集 瓦拉东母子：苏珊娜·瓦拉东、莫里斯·尤特里罗她是第一个提供了女性视角的女裸体和男裸体的画家。

第十集 关紫兰《少女像》 丘堤《静物之一》《平湖秋月》“（关紫兰）她下笔的胆气，和瓦拉东有一拼，而且是纯然的天生，你比起刘海粟那种胆气那种霸悍，她一点不是造作的，一点不是刻意的”“（丘堤）她的静物画，以我所见，我愿意说是中国第一。

好在哪里呢，同样是画花、瓶子、衬布，她知道避俗，出手非常简静，她的画不比瓦拉东好，但是比瓦拉东高。

第二，就是她的素心。

第三就是见物性，物性又分两层，一个就是她画的那些东西，就是不修饰，不渲染，是物体的恰如其分，也是她对物体的敬意和爱意，另外一层呢，就是材料的物性，就是颜料和笔，丘先生敷色、行笔、起止、收束，她始终都是不温不火，到处都是浓淡得宜，这很难做到的，不光是本事，就所谓温良恭俭让入了画，就是丘先生这种境界。

第四呢，当然她也是非常民国的气息，自发，自在，自主，自适，而且自尊。

”第十一集 徐扬 《乾隆南巡图》第十二集 卡帕齐奥《朝圣前的典礼》讯息与景别影像介入大量次要讯息 意大利导演费里尼《八部半》 贝托鲁奇《1900年》《同流者》塔可夫斯基 《牺牲》 景别运用“一部电影，一幅画，其实是看导演和画家，怎样诱导观众的目光，我这么看这个场面，是要你也这么看，然后个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了，这个是视觉艺术的命根子。

”“但是这两位天才（卡帕齐奥和费里尼）的影像和画面，我又要说，和徐扬还有点接近，就是热衷于次要的信息，为什么呢，因为重要的不是故事，而是场景，诱人的未必是情节，而是观看本身。

”第十三集 苏里科夫《近卫兵临刑的早晨》《女贵族莫洛卓娃》 列宾《伊凡雷帝》《查波罗什人复信土耳其苏丹王》苏里科夫做到了油画民族化“西方对俄罗斯的文学和音乐高度重视，但是到今天为止，他们仍然坚持，对俄罗斯的绘画无知，至少，好像不想有知。

”“陀思妥耶夫斯基说过一句话：在亚洲，我们是欧洲人，在欧洲，我们是亚洲人。

”“西方对俄罗斯绘画的批评，通常是指，不是纯绘画，这种绘画是一种文学的附庸，我认同的，但我心里不服。

欧美极少数艺术家和学者知道苏里科夫和列宾，正好今年上半年，我和一位英国的老学者谈起俄罗斯的委屈，他也蛮同意，但他说西方人可能有两个词批评俄罗斯绘画，一个就是narrative，就是叙述性的绘画，还有一个就是sentimental，太伤感主义，我也认同的......但我还是不服，整个文艺复兴的绘画，就是《圣经》的附庸，是《新/旧约》的图解。

”（俄罗斯也是我的少年情结啊 片尾《山楂树》一响起来就眼睛酸）第十四集 弗拉·安吉里柯 《耶稣受难》《嘲弄耶稣》《三博士的朝拜》Angelico类似一个外号 意文 天使般的“你到了这里面，你不单是安静下来，而且一切到此为止，你的家，你的国，你过去的记忆，全都消失了，有一点点像电脑死机的样子。

同时呢，一切就开始了，你会自然而然地心里面有一念，就是万事罢休，从此静心修道，你会有这么一个念头。

你面对的是空荡荡的四壁，只有耶稣和圣徒陪着你，准确地说，其实就是你跟安吉里柯面对面，此外什么也没有。

”“13世纪中叶之后，整个14世纪，还有15世纪的上半，事情很有意思了，这两百年的宗教画，人性，神性，你用不着分的，你也很难分开，你瞧见神性的地方，就是人性，你被人性感动了，你会发现那个是神性。

......都说文艺复兴是欧洲人的黎明，在佛罗伦萨，在圣马可教堂的二楼，在一间一间小禅房里面，就在窗户旁边，那个安吉里柯的湿壁画，你会看见，什么是黎明的曙光。

”第十五集 菲罗马可斯（Phyromachos）《巨人的战役》 古希腊派格蒙祭坛雕塑鲁迅 《“题未定”草》“鲁迅很讨厌，读到他（朱光潜）这篇文章，他就出来跟他叫板，煞风景。

鲁迅举了古希腊雕塑和陶渊明的一些例子，说他们并不会全然是静穆，他们还有别的境界。

”“照马克思的说法，古希腊是人类的儿童时代。

”第十六集 马塞尔·杜尚 《下楼的裸女》《泉》《L.H.O.O.Q》《杜尚的盒子》被艺术耽误的职业棋手达达主义 超现实主义玛瑞娜·阿布拉莫维奇《艺术家在现场》 跟乌莱对视那幕堪比电影场景“即使在欧美，说起艺术，还是指绘画和雕刻的意思。

杜尚机警，一百多年前他就想，除了绘画和雕刻之外，艺术还有没有别的可能，他想重新定义艺术这个词，他做到了。

”“上次说到所谓前卫，就是事情做得太早，历史看不懂，也看不见，印象派小子很苦，等于在前线，直接跟沙龙、跟公众、跟旧势力斗。

马塞尔·杜尚的前卫啊，笑眯眯地躲着，稍微弄几下子，他不声张。

”“晚年他说，他重视呼吸胜于一切。

”“站在绘画的立场上，当然会说，塞尚去世的那一年，1906年，是现代艺术的起点......那么，你以非绘画的立场，我以为，应该算是杜尚放弃画画的1912年起算。

”

看陈丹青录制的《局部》，从头至尾就一个感想：无可奈何。

艺术这玩意，真的是无可奈何的事情，你不懂审美，不会欣赏，不得其门而入，那就是一点办法也没有，学也学不会的。

艺术观赏，本是一项极端个体化，私密化的体验，这种体验发乎本能，出乎直觉，用语言文字是几乎无法表述与传递的，只能在自己心里憋着。

说马蒂斯毕加索好——好在哪里？

洋洋洒洒，长篇累牍地解释这二者的好处，舌敝唇焦，结果必是煞费苦心，听者读者仍是不明所以；同理，勋伯格的音乐，有些人奉若天籁，另一些人则视之为噪音。

在艺术面前，感官永远压制住了语言。

语言是苍白疲乏的，任何一种语言都无法精确描述出一件伟大的艺术品其究竟伟大在何处。

当然，学者们可以通过专业领域的考察来论证其历史，学术以及社会价值，但若从审美的角度出发，这一切则是不可言说的。

在适当的时候，在某个特殊的片刻，语言是可以被取缔的。

文学，哲学，科学都需要语言，但是艺术不需要。

当我们废置了语言，我们便进入了艺术。

如沐春风。

明明宅在了家里，却可以跟着去巴黎去纽约，去文艺复兴，去民国。

深入浅出，单集单题，有时候从年龄切入，有时从性别切入，有时从历史坐标切入，讲述一副画作和背后的故事。

有时候东西方纵横对比，中国被埋没的画家，其代表作在陈丹青看来，力道甚至强过毕加索。

又说毕加索若看了北魏壁画，定是眼珠子都会吓出來，佩服的五体投地。

又说梵高初学习作，粗糙中有着天才，如今艺考的学生习作，精致却无可救药……陈丹青会刻意挑选被主流忽视，但个人钟爱的遗珠，也不吝展示他在各派观点夹缝之中的困惑和纠结，反正听得是一愣一愣，但又兴味盎然。

《死亡的胜利》中提到，欧洲自古就喜欢描摹苦难，不管是耶稣受难，还是地狱饿鬼，或者尸横遍野。

而中国的传统绘画，极难想到对苦难的描绘。

都是山水城池，花鸟鱼虫。

大家不愿意去讨论那些，自古有之。

再看当下，也能理解民众在观影和看新闻时的潜意识选择。

《谁养艺术家》里说，欧洲在几百年的绘画历史中，在十九世纪之前，几乎所有的画作都是“订制”的，宫廷或者教会定制，画家都是接受委托创作。

没有谁是为自己画画的，都得听甲方的。

自认为画得再好，甲方说要改，就要乖乖改，哈哈哈哈，米开朗基罗也是如此。

而梵高为啥一幅画都卖不出去？

他的时代正是转型期，为自己画画本来就不多，没有谁给他订单，说请他画个向日葵或者星空。

梵高主动选择了按照自己兴趣来画，画完了没人买单，也非常正常。

这也算他潦倒的原因之一。

《非正式魅力》中，介绍了openwork的概念，就是在传统的精细的油画观念面前，那些印象派画作，都是“没画完”就拿出来丢人现眼的。

传统的画一般都得画几天几个月，你怎么能几个小时就涂抹完。

但思想一旦解放开来，传统的“完成度”的重要性就靠边站了。

艺术最重要的就是那个“意”，那个“状态”。

中国最顶级的书法，都不是碑帖，而是私信的草稿，一气呵成。

毕加索给一个贵妇画肖像，由于他风格诡谲，贵妇看完说：“这画得跟我不太像啊。

”毕加索说：“夫人，您会越长越像这幅画的。

”观看的意志：一部电影或者画，就看导演怎么诱导观众的目光。

我这么看这个场面，是要你也这么看。

个人的风格，他要说的意思，就通过这个观看出来了。

绘画的核心机密，有时候并不在画，至少不全在画，而且在这个画家怎么观看。

费里尼和卡帕齐奥跟徐扬一样，都热衷于次要讯息。

因为重要的不是故事，而是场景。

诱人的未必是情节，而且观看本身。

“你拒绝一件事，和你接受一件事，其实是一回事。

”——杜尚。

版权归作者所有，任何形式转载请联系作者。

作者：小山来源： https://www.freethink.fun今天继续说说陈丹青的《局部》，这次是增补版。

我准备分集好好说一说，可能在说的过程中，如果有偏题的行为，请见谅。

《局部》出了11集，我现在看到第八集，总的来说，这是一部非常浅显易懂的美术节目，我暂时还不知道如何形容这节目，至少它不是娱乐、综艺类节目，而人文方面也不是很强。

姑且把它定性为美育类节目。

和其他节目相比，陈丹青在讲美术的过程中，可以说是用一种近乎于低的方式来谈，在谈的过程中，有他自己的美术理念和美术想法在里面。

我们从第一集就能明显的看出来。

第一集、《局部》的第一集题目叫：千里江山图。

我第一次看时，以为陈丹青就是讲画，因为我负责了一档美术类微信，当然大多数时候是在说日本的设计、西方美术史，一般不敢涉及我们国家的美术。

仔细看这节目，陈丹青讲《千里江山图》时，在读完题跋后，会顺带说一下，断句如果不准确，希望国学家海涵之类的话。

这并非陈丹青的谦辞，而是我们国家的美术提倡书画一体，古人写东西，没有标点符号，今人在解读时，会从字到画，整个解读，所以断句不准确，影响很大，陈丹青在讲这幅画时，并没有放开来讲。

不过这毕竟是第一讲，有些生疏也是一定的，我们看后面的节目就知道，他越来越游刃有余，收放自如。

不说这个，继续说节目内容。

我们国家的美术是不好讲的，其原因无非就是一些考证、主旋律、画作分析等等，都不好讲。

除了这些，我觉得更重要的是，撕逼太严重。

有个词叫：文人相轻。

这个词用到绘画上也是一样，艺术这东西，在我们国家很难说谁谁谁最牛逼，谁谁谁就是大师。

就算是知道，写出来，也会有人去扒他们的黑历史。

这里就不详细说了。

陈丹青在《局部》的第三集里面已经提到，感兴趣的看了这一期节目，想要详细了解那幅《流民图》的，可以去网上查资料。

第一集，陈丹青其实是借《千里江山图》引出王希孟，表达的是年轻人在绘画上的天赋，列举一系列西方在艺术成就上非常牛逼、年轻有为的画家、音乐家、作家等等。

从个人感触方面来说，陈丹青一是在鼓励年轻人，要有思想，要敢想敢做，当然这并不是说像一些互联网上一些90后那样吹牛逼，艺术与创业开公司是有非常大的差别。

艺术可以是个人，企业必须全盘考量。

这里可以扩展一下，为什么我们国家这么多学美术的，到现在为止，也没有年轻人能画出伟大的作品？

如果看过陈丹青在《锵锵三人行》上的演讲，我们会知道，他其实非常不喜欢讲美术，而一讲，便对我们国家的美术教育不满。

你会从他的语言里会听到「学美术没什么用」、「画这么好干嘛，已经有摄像机，根本就没必要拥有这么多画家」等等。

只要讲美术，他就是语不惊人死不休的感觉。

其实这是有原因的，他之所以不喜欢孩子学美术，最大的一点就是那些孩子不是真心喜欢画画，只为应付考试（也就是艺考），还有一点就是，画得好真的没用，画家并非比武，靠技艺取胜，而是靠纯粹美和思想。

这一点他在《局部》后面几集里讲梵高，最为强烈。

借用他自己说的，我们国家的美术教育，是反艺术的。

我们不能说整个国家出不了美术人才，出不了伟大的画家。

或许更多的原因是这个社会关于艺术的培养是有问题的。

最后说一下，关于王希孟这个人，我在网上查到的资料是，这个人在史书中是没有记载的，而《千里江山图》没有其本人的款印，画上的题跋是蔡京所著。

这又是为什么呢？

现在你知道为什么我们国家的美术难讲了吧！

第二集、死亡到底是什么？

在第二讲里，陈丹青讲了名叫《死亡的胜利》的一幅画。

大多数时候，《局部》的标题可以忽略不计，陈丹青在讲一集时，可以延伸出很多内容，比如讲死亡，会涉及到中西美术的对死亡的看法，会涉及到美术的培养和教育，会涉及到战争等等。

说我们是一个破坏的国家，或许不那么为过，如果《死亡的胜利》这幅壁画出现在我们国家，被破坏成碎片后，会有人去修复吗？

当然这幅画并不会出现在我们国家，因为我们国家的主旋律是《千里江山图》，并非《死亡的胜利》。

大多数画寄情山水和人物，很少涉及死亡的命题。

就算涉及死亡和鬼魂之类，中西方之间在绘画上的差异也会很大。

比如在灵魂表现上，西方在表现灵魂时，会是赤裸裸，会用一杆称来称灵魂的重量，太重的就下地狱，轻的就上天堂。

而我们国家会忽略这些逻辑，鬼魂是能穿上衣服的，这在西方美术是看不见的。

节目里讲到，《死亡的胜利》这幅壁画可以和敦煌壁画相媲美，那这是为什么呢？

这里有许多历史原因，如果要了解，可以去看一本叫《美的历程》这本书，书里第五章和第六章，从各个层面讲诉了魏晋时期的书法、绘画、诗词等。

一个时代它艺术形式的出现和产生，有其必然性，敦煌壁画之所以那么惊天地泣鬼神，也是如此。

就正如节目中所说，梵高不可能出现在文艺复兴时期一样。

节目中提到的美术的教育问题，对此我是赞成的。

对美的追求如同读书，需要人去引导。

人不可能一生下来就识字，也不可能一生下来就知道什么是真正的美、纯粹的美。

读书之所以要人引导，是因为现在阿猫阿狗，无论是谁都能出一本书，读多了那些人写的书并不好。

美也是这样，需要人去引导，可惜的是，我们从小就没人去引导过如何认识美，接触美。

如果有谁提起美，就是土豪、牛逼之类的语言脱口而出，仿佛学美术就高人一等，其实不是这样。

没有一个正确的观念去对待美术，是一件很悲哀的事情。

陈丹青讲美术，我想就在上一堂美育课。

第三集、讲中国美术，是一件蛮难的事情，这件事可以从政治、社会、历史等等各方面去总结、归纳。

我们国家的美术喜欢撕逼，喜欢遮遮掩掩。

陈丹青没有，于是第三集他讲了蒋兆和的《流民图》。

我不知道有多少人看过《艺术的故事》这本书，书里有一句画说的很妙：一幅画对于一个文盲的意义，好比一本书对一个识字的人的意义。

我们每次去看美术展览，尤其是自己国家举办的展览，可以说，绝大部分的展览都是在讲抗战，讲那些很壮烈的故事。

借用陈丹青的那句话：我们国家的主旋律是《千里江山图》，而不是《死亡的胜利》。

现今很少有人知道蒋兆和的《流民图》也是这个原因。

很多时候，去看美术史，会很有趣，比如画家画画，都是谁要求他画？

谁出钱包养他们？

为什么埃及金字塔里的壁画脸谱型那么严重，而到了希腊，又那么的光华璀璨，文艺复兴又那么喜欢抠细节，搞得那么繁复……这一一切的一切看下来都非常有意思，如果再回头看看我们国家的美术史，对比之下，会发现西方永远在寻求变化，在寻求逻辑，在寻找自我。

我们国家大多寄情于山水和人物，很少将画作投向底层人物，千百年来出一个，却又被活生生扼杀。

《流民图》到底怎样，我们这里不去评价，借用孟德斯鸠的一句话：人在苦难中，才更像一个人。

一个人，从一个时代、一个世纪去看一幅画、一系列画，会发现很多有意思的地方。

画家有时候并不完全在画画，我想更多的，是在表达他们对这个世界的观点。

第四——八集、第四集和第八集有很多雷同的地方，我一起讲了。

个人觉得这几集最有意思的是陈丹青说的两个问题：梵高的画为什么那么好看？

一幅画怎样才算画完？

先说第一个问题，很多人都喜欢梵高的画，但为什么喜欢，没人能说清楚。

大部分人一说梵高的画好，就说他用色喜欢用对冲的颜色，并且用的非常漂亮。

要么就说《向日葵》，说他很大胆的把向日葵摆在画的正中间，大片大片的黄涂抹上去，令人着迷。

无论怎么描述，梵高画的魅力，迄今为止，我没见人说清楚明白过。

陈丹青讲梵高，也没讲清楚。

这并不是说他不知道，而是内心感受，已很难用语言去描述。

他只能用一个字形容：「憨」。

在我看来，或许用纯粹美更好一些。

梵高这一辈子画画，是真喜欢，他生平没靠画画赚过钱，没开过影展，更没人要求他去画画，去改画。

他只是喜欢画，仅此而已。

也就是是喜欢到纯粹的地步，使得他的画，美的自然，也正是纯粹的爱，才让他永远拥有一种孩童般的眼光看世界，孩童的眼睛看见什么就是什么，梵高看见什么就画什么。

不多不少，不增不减，老老实实。

很多画家终其一生都在追逐这种纯粹美。

陈丹青也是，可惜很难达到。

可以说这是画家一种终极追求，在很多人看来这或许很好笑，觉得如果是这样，那自己也能画画。

要明白的是，画家在经过不断的绘画训练后，再走回原点，和就在原地踏步的人，是很不一样的，这是一种对美追逐的过程，除他自己，别人无法感受。

之后再说第二个问题，一幅画怎样才算画完。

我当初看陈丹青讨论这个问题时，很惊讶，在我的印象里，画总有画完的时候，怎么可能没有完就拿出来了。

后来才发现，他所说的完，已经上升到一种哲学上的高度，类似于人是怎么来的，人应该去哪儿等等。

美术到了「印象派」这一阶段，就变得无法琢磨，因为这一帮子人画画，基本上都是画给自己看的，画山、画水、画人等等，都是自己画着玩儿。

他们不会为了谁去改画，就是为了单纯的快乐，当然这也导致他们过得都很清贫。

那一幅画到底怎样才算画完？

没有答案，也可能有答案。

不过我更多的相信，一幅画无论是画完，还是没画完，在每个艺术家看来，都有他特别的意义所在。

我们不需要去纠结这个问题，太过于痴迷，反倒会把自己变得模糊。

最后，美术史没完，我只是抛装引玉，希望你能对美术感兴趣。

谢谢你能看到最后。

-昨夜翻阅张佳玮所写《莫奈和他的眼睛》，看完后久不能眠，思前想后甚觉堵得慌，只因这本书吊书袋子太过严重，书中对莫奈及印象派所写知识，甚为潦草。

1、莫奈生平比较简单，以前做微信，曾有幸查阅资料，得知他是印象派代表人物，擅长光与影的实验与表现技法，启蒙美术老师布丹，结婚两次，妻子卡米耶、爱丽丝，有一帮印象派的好哥们，晚年眼病，死于1926年，一生所画500多幅画作，无非如此。

莫奈生平就同一杯白开水样，倒是张佳玮用吊书袋子的办法东平西凑，将它扩展开来，只是这种扩展方法，太过草草，对整个印象派产生的时代背景、文学背景、演变过程以及莫奈的绘画技法都了解得略为肤浅，不够深入透彻，甚至有些断章取义，春秋笔法的意味在里面。

对于莫奈及印象派那帮老哥们我了解得不多，也未在现实生活中看过真迹，如果要粗略的了解莫奈生平，个人建议上维基百科查阅就好，若要了解印象派绘画技法，最好的方式是看原画，自己去感受，不要被太多华丽的形容词所误导。

张佳玮所写莫奈的传记，我是不敢苟同，也不推荐阅读的。

一部好的个人传记，从个人角度来说，要么是根据史料有所发挥和研究，要么就本本分分记录人物。

如果充满大量形容词并配以不够深入的历史背景加以发挥阐述，甚至揣摩每个人的内心戏，只能当做茶余饭后的笑料，不足为信。

不过印象派的发展确实历经磨难，书中所言不假，用陈丹青在《局部》里的话说，这帮人走得太过前卫，以至于很苦，促使学院画派瞧不起他们。

只是现在西方对学院画派所犯下的错误几乎闭口不谈，不知为何。

2、看完书本，闲来无事，我所幸翻出剩下4集《局部》看，陈丹青说是讲画，倒不如说在讲自己的喜好，历史，文学以及内心感受。

他坐在那里，讲俄国列宾、苏里科夫，说俄国家画手大气粗，是饱含历史的画作，有人说好，有人说不好，这些都无可厚非，只是现在大多数人在谈美术史时，从西方，美英法德等国入手，甚至在西方的美术馆里，都很难见俄国画家的画。

这是文化霸权主义？

可能是，也可能不是。

陈丹青在视频里不想用这种词，说一用便落了下乘。

不过我倒觉得俄罗斯19世纪后对文化输出确实弱掉很多，至少我们国家西化倾斜是不言而喻的事。

说文化霸权，还是俄国文化有些太过拘谨，或不如西方百花齐放有趣。

3、之后说看画，去美术馆看过画的人，对一幅画的感受，与电脑和书本上看来的感受完全不一样。

我以前看《蒙娜丽莎》，对着电脑和书本，以为是幅大画，后来翻美术史，书里写达芬奇无论在哪儿都带着《蒙娜丽莎》，心里总有不妥，直到在网上看见罗浮宫里的展出，才发现那不过是很小的画。

当然，米开朗基罗在教堂墙壁上画的《创世纪》更为惊人。

一幅画在现场看，位于何种位置，对于欣赏者来说，都有不可思议的感受。

我个人既爱，又恨在美术馆看画，爱是迫不得已，恨是一幅画与美术馆的场景不合，像一场面宏大悲伤的作品，配上白色的墙面，挂在那里，隐隐有不舒服之感。

若遇到一些雕塑，摆放位置狭小，无法转圈看，也是一大损失。

不过全世界大多数的美术作品都已不在原位，希腊的在英法德都有，中国长卷画若太长，无法完整呈现，也不行。

唯有那些西方教堂和东方古建筑里，人走进去能看见一幅幅漂亮的壁画，基督教，佛教的画，历经岁月，虽微有裂痕，却古朴的摆放在那里，使人静穆。

4、在《局部》倒数第二集，有个观点非常有趣：超越。

透过电脑屏幕我第一次看见一组名为《巨人的战役》的雕塑，镜头里那些遒劲的肌肉、挣扎的面孔透露出来的胆魄与气势，时隔千年，经久不衰。

真正的艺术家心里知道，希腊雕刻家的胆魄和能力，自己是无法超越的。

无论是有人将罗丹比作伦勃朗，还是亨利·摩尔与希腊雕刻家相提并论，谦逊的艺术家们会慎重告诫别人，提醒自己，前人之作无法超越。

那种伟大，是一种虔诚的佩服。

这不禁令我想到文学，古人说文无第一，武无第二。

那真正的文学，有没有所谓的高低之分。

或许真正的文学家，在心里也会有几位无法超越的前者吧。

5、最后说说现代艺术，我去年差不多去川美看过几次美术展，九大美院的作品来罗中立美术馆展出，我也跑去看过，看时只觉处处惊喜，欢喜不已，整个美术展可以呆一天，一幅一幅画仔仔细细的看。

有的巧藏机关，如发现，会心一笑，有的甚为不解，像小时候做奥数题，抓头挠耳，看明白后哈哈大笑，看不明白则暗自伤叹。

现代艺术很不好讲，仔细说来，何谓现代艺术，有的人觉得塞尚死后，也就是从1907年算是现代。

有的人则认为从杜尚开始算作现代艺术。

从表现上来说，艺术已抛开雕刻、绘画，已如行为艺术，表演艺术，观念艺术等等百花齐放的种类。

我就看这些一件件从眼前闪过，猛然惊醒，恍然明白去年在各大美术学院所看的作品，无不有这些艺术的痕迹在里面，走过一圈，回到原点，内心悲喜交织，到最后到底是伤心失意多过欢喜，那一刻也明白拾人牙慧的含义。

现代艺术已超过了绘画和雕塑。

它是前进还是倒退姑且不论（现在也没法论，或者很难论），但绘画所承载的历史意义，已在退去，人们不必去看一幅画明白佛祖或者耶稣在传什么教义，也不必因为彰显家中气氛购买一幅画。

现在也几乎很少人靠绘画或雕刻为生。

一切的种种，都意味着这个时代，已经不太需要绘画，它正在被边缘化。

那艺术该何去何从？

陈丹青没说，也没法说。

或许，我想，一切都应交给时间这把公平的尺子，它自会引导艺术向前走。

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作者：小山来源： https://www.freethink.fun

最早知道陈丹青是他请辞清华美院和某次酒后愤愤的说：“两千年文脉已断”，他一直是个很有争议的人。

前年看《文学回忆录》，喜欢的不得了，这才又一次看到他的名字，《文学回忆录》是木心上世纪八十年代客居纽约时期讲述的他自己的世界文学史，在这长达五年的“文学远征”中，作为当时听课学生之一的陈丹青认真整理那五年的听课笔记结集出版，逾四十万字。

我看时只觉得妙语连珠，于是满篇画着标注，读到此书由衷喜悦的同时也感谢陈丹青的细心编著。

扯远了，说说陈丹青的这个“脱口秀”，名叫《局部》，估计是取“绘画的局部中蕴藏着无数的细节”之意，每集开场的巴赫大提琴（Cello Suite No.1, Prelude ）真是太应景了。

陈丹青表面看着孤傲，他是有这个资本的，但一看到他提前做好的一板一眼的笔记，毕恭毕敬的评说，你就知道这个老先生真的是细致入微且毫无傲气，全是孩子般对艺术的真诚。

看完这十六画意犹未尽，但知道了一些皮毛就会越发显得无知，所以关于艺术理论性的东西我更加不敢多说了。

可是最近记性差了，又怕看完就忘，索性以Tag的形式列举一些关键字，当做简单的观后笔记，方便日后自己查阅（Tag以顿号间隔）。

第一画、千里江山图：王希孟十八岁、早逝的天才、宋徽宗、青绿法、委拉士开兹《宫娥》、“十四岁以后心就不纯了”、“观察之眼即是天分”、十八岁的感知是全息的（就像浑身是摄像头）、“《清明上河图》是世俗繁华的史诗，《千里江山图》是锦绣河山的颂唱”、明清文人画确立了老人符号。

第二画、死亡的胜利：戈佐里《博士来拜》、托斯卡纳圣墓园、撞见的大快乐、《死亡的胜利》《地狱》（布法马可）、黑死病后的狂欢、 “最好看的欧洲画不是油画而是湿壁画，就好比中国最好的画是魏晋唐宋的工笔重彩”、 “早期简单而生猛，元气淋漓当属北魏时期的敦煌壁画，毕加索《格尔尼卡》未必好过北魏壁画”、吓得肝儿颤、云冈石窟、“艺术顶顶要紧的是本能”、“美感需要导引和学习——贡布里希”、米开朗基罗在奥利耶多的取经、西方不避死亡素材《哀悼基督》《马拉之死》、“尸体作为尸体是活生生的”、罗聘《鬼神图》、“东西方对待死亡的看法截然不同，我们绘画的伟大传统是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》”。

第三画、人民的胜利：《爸爸永不回来了》、蒋兆和《流民图》、文革遭批斗、中国20世纪最好的人道主义画家、“同情心和恻隐心相比国家和民族永远不是主旋律”、“人在苦难中才更像一个人——孟德斯鸠”、从“反共卖国的大毒草”到“现实主义的爱国主义作品”、“不是蒋兆和先生有历史问题，而是我们的历史大有问题”。

第四画、初习的作品：梵高《海边的渔夫》、梵高霍（van gogh）、南漂少年梵高、库勒慕勒美术馆（一次买300幅的阔太太）、“傻在绘画上行得通，一笔下去憨，再一笔还是憨”、“后印象派三大师——塞尚，高更，梵高”、大巧若拙、左翼画家珂勒惠支《囚人》、王式廓《血衣》。

第五画、巴黎的青年：塞纳河北岸卢浮宫，南岸奥赛美术馆、“气息不搭，画的意思便打了折扣”、“每一种艺术都有它的时代的氛围，灵光一去不复返”、巴齐耶《巴齐耶的画室•拉孔达明街9号》、“意气洋洋的年轻人，一切开始的时候，是最好的时光”、1870普法战争、早逝、场面性的群像、兼有科学和诗意的温和、“光线运用极佳《夏日》，明亮均衡”、年轻人充满希望的清瘦、印象派这群乌合之众的集体记忆。

第六画、谁养艺术家：印象派、莫奈《日出印象》、雷诺阿《舞者》、未完成的画、订件、委托作画、王公贵族的装饰物、文化部长达维特《拿破仑加冕礼》、戈佐里《博士来拜》（炫耀四百佣金）、委拉士开兹《侏儒》系列是有钱有闲的消遣、艺术赞助史、self-employ、印象派伯乐-卢埃尔、文革后“翘尾巴”的时代、巫师-奴隶-公会会员-自由职业、“自由造就了梵高也弄死了梵高”、“艺术取决于人们对它的谈论次数”。

第七画、绘画的放纵：未完成的画、舒伯特《未完成交响乐》、“户外与画室内，时间与速度的差别”、“巴比松画派—米勒、柯罗、杜比尼”、柯罗《南尼大桥》前后两幅、“马蒂斯《蓝裸体》，绘画跟媒材玩”、马奈《贝尔特•莫里索肖像》、“户外作画和吸管颜料的诞生有关”、“达维特《拿破仑跨越阿尔卑斯》，安格尔等与印象派相比及其精细，导致印象派及野兽派无法进入沙龙”、“背景音德彪西是Golliwogg's cake-walk (from Children's Corner)（小明和王猫用的也是这个配乐，好有趣）”、普桑的均衡与古典性、“塞尚和毕沙罗在蓬杜瓦斯共同作画，塞尚的openwork（打开，未关闭的画）影响至深”。

第八画、非正式魅力：未完成的画第三期、毕加索的《格特鲁德•斯坦》、弗洛伊德《沉睡的救济金管理员》、“梵高没有一幅画是不好的，每个人是自己的太阳”、马蒂斯《舞者》、“中国的文人画中一切都是假的，重要的是味道”、“音乐中的印象派—德彪西”、“马拉美—诗不是意象，是字和词”、“中国的文人画是高级官员，一群闲人在玩艺术，不是订件，而是高雅的寄托，与物传神，尽其妙也”、“如何是士夫画？

戾（隶）家画也（所谓书画同源）”、“中国的非正式（unofficial）书法更受推崇”颜真卿《祭侄文稿》、陆机《平复帖》、“碑不如告，告不如书-《书论》”、“如今不是尽其妙也，已是谬甚也”。

第九画、瓦拉东母子：花样百出的巴黎画派、横跨野兽派和立体主义的安德烈•德朗、“瓦拉东是雷诺阿，德加等人的模特”、《出浴》等独有的女性视角的女人体画、“同时做到两件事，文化诱发和本能驱使”、“倔驴塞尚，疯子梵高，侏儒罗特列克，怪人高更。

讨生活的穷姑娘瓦拉东”、毕加索是西班牙式的魔性、“法兰西少男少女的鲁，代表电影:特吕弗《四百击》，路易马勒《再见孩子们》，帕维尔•丘赫莱伊《小偷》”、瓦拉东与安德鲁（她儿子的朋友）入画《亚当与夏娃》、郁特里罗（瓦拉东的儿子）的城市风景画、醉醺醺言道：“这是谁的展览？

”第十画、民国女画家：关于女性画家的政治正确、玛瑞娜•阿布拉莫维奇《艺术家在场》、“没有艺术史，只有艺术家”-贡布里希、赵孟頫的太太管道升《烟雨丛竹图卷》、文淑（文征明的玄孙女，嫁与赵灵均为妻）《萱石图》、民国的关紫兰下笔胆气十足、民国的大家闺秀与上流女性与绘画的气韵、中原绘画入骨的斯文与历史的大气、关良49年后由野兽派转而画戏曲人物、丘堤的静物画必俗而简静（温良恭俭让入了画）、丘堤的《窗外》与上海早已失去的表情（结尾的BGM特别好，不知其名）。

第十一画、徐扬的功德：徐扬等宫廷画家的《乾隆南巡图》和《康熙南巡图》、明清宫廷画的气势、歌川广重与梵高、中国的长卷画与散点透视、移步换景。

长卷画的旷观在古代好比当今的纪录片、中国绘画的写实主义、描写局部复杂到极致、“明清宫廷画比唐宋富丽，比元明雅驯”、“文明的承平期的绘画格调常会趋于烂俗，但未必不好”、“本期在乌镇录制，乌镇的修缮准则是修旧如旧，重温繁华江南旧梦”、谢谢那些为我们留下历史记忆的画家们。

（真是想知道片尾曲的名字，网上查了下好像是张亚东为视频专门作的曲）第十二画、讯息与景别：维托雷•卡帕奇奥绘画中的透视与闲笔的趣味（可惜网上找不到他的画，只能截陈丹青视频的图）、”“西洋画不用长卷而玩纵深，比如穹顶壁画，效果等于广角镜”、“意大利导演贝托鲁奇等导演的景别（eg:《一九零零》和《同流者》），费里尼的《八又二分之一》”、费里尼的《梦书》（一直想买）的绘画非常好看、人的观看本能以致理性管不住目光、《公民凯恩》里拍摄的变化带动了电影的发展、勃鲁盖尔俯瞰式的人物群像、“今天的媒材变了，我们不在需要南巡图和卡帕奇奥，但人的观看意志是不会变的”、（本期讲了很多电影名导，绘画和电影确实是有相通之处的，或者进一步讲，艺术总有相通之处）第十三画、俄罗斯冤案：（本期录于木心美术馆）“在欧洲我们是亚洲人，在亚洲我们是欧洲人—陀思妥耶夫斯基”（一语道出俄罗斯的尴尬处境）、美国的古典音乐差不多是斯拉夫人撑起来的、“俄罗斯文学和欧洲文学分庭而不抗礼，自成高峰，没有俄罗斯文学的欧洲文学是不可想象的”、“列宾的《查波罗什人写信给苏丹王》《伏尔加河上的纤夫》、苏里科夫的《女贵族莫洛佐娃》《攻克雪城》简直好透了，美术史好就好在一山总有二虎”、西方尤其是美国对苏俄的油画并不认同、“中国的先秦悲伤故事也有阳刚气，但到了《西厢记》就只剩哀怨了，可俄罗斯悲伤事也血气方刚”、“苏里科夫的画在回应东正教的传统，他是刻画事件中表情的天才，笨拙而极有力，组构在大场面的每一个人物都有血有肉”、“西方觉得俄罗斯的绘画是文学的附庸，那么西方的绘画又何尝不是圣经的附庸？

”、19世纪的俄罗斯像是中国的唐朝、“俄罗斯绘画的灵魂是苏里科夫而非列宾，俄罗斯文学的灵魂是陀思妥耶夫斯基而非托尔斯泰”、艺术最最要紧的到底是刻画美还是同情和善良（描绘苦难）、“俄罗斯艺术的固执和骄傲是一种过时的品德，她毫不在意世界的眼光。

”第十四画、圣马可教堂：新绘画三翘楚（3C）与新表现主义、“一幅好画的标准是你会不断愿意看下去，而且每次看都会有新的领悟”、“如果你到佛罗伦萨只有一天时间，哪都别去，就去圣马可教堂”、安吉里柯-圣马可教堂二楼的《受胎告知》《哀悼基督》、“在二楼的小禅房里，你会有专心修行的念头，哪怕只是片刻，只是一个幻觉。

看完以后下楼，你就变回俗人。

”、湿壁画的格局依照建筑自身的构造决定其宏伟程度（比如米开朗基罗在西斯廷教堂所绘的《创世纪》）、欧洲最最耐看的还是宗教画、“十三世纪前的画神性太多而人性太少，十五世纪后半叶则人性太多而神性太少”、在圣马可的小禅房你会看到文艺复兴的曙光、简朴静穆而神圣。

第十五画、巨人的战役：派格蒙祭坛的大理石雕刻、“一脸的冤枉，非常憋屈的样子，没有用的，你永远也看不完的，你无法说什么，只能闷闷的看”、高贵的单纯和静穆的伟大、“跟《巨人的战役》比，米开朗基罗简直是个小弟弟。

他要是看到了，汗毛竖立，他会自叹不如，远远不如。

”、“人不能两次踏进同一条河流-赫拉克利特”、艺术没有进步这件事情、“古希腊像是人类的儿童时代，但在雕塑上前无古人后无来者，元气淋漓”、“各民族，各文化之间的艺术不可以率尔比较”、“古巴比伦和古希腊及先秦的雕刻是坟墓的艺术，而古希腊是人的艺术”。

第十六画、杜尚的决定：马塞尔•杜尚与1912年断然放弃了绘画、杜尚和“达达主义”重新定义了艺术这个词、艺术的能指与19世纪相比已经无限扩大、 “你拒绝一件事和你接受一件事，其实是一回事”、“艺术早已声名狼藉，绘画的传播功能如今已经终结，我们活在一个不是绘画的时代”、“绘画已经不再光荣，所以我们现在是一个闲聊绘画的时候”、“不强求自己，也不强求人家”。

那么，第二季再见吧。

每周一期，是为记。

PS:可惜豆瓣影评无法插图，就这样吧。

2015.9.29