灰烬重生

喜欢罗晋演的片子，内容也是自己喜欢的类型，推荐！

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剧情不错，是近期看过的不错的国产悬疑电影了。

本片原名叫《追·踪》，后改名为《灰烬重生》，个人认为后者确实更好一些，前一个名字更像是聂远所饰演的陈维坤视角所发生的故事，但是该角色在整个剧情作用上发挥有限，改名后，名字更贴合故事——一场已经燃烧过后化为灰烬的罪恶，如何在时间的变迁和人性的苏醒后重新面对灵魂的审视。

我觉得我本人就是同时存在两体的，我日常的所有行为都是这两体互相权衡后的结果。

之所以被李导的电影吸引，是因为他的电影表达总能够很极致的呈现我的两体矛盾，当然最近这两年因为我成长的原因，我的两体达到了某种和谐共处的状态，“我们”面对事情不再“剑拔弩张”，而是学会了一起坐下来谈，然后选择一个我们都能够接受的方案。

看到这里不要觉得“我”是小众的，这个“我”其实存在于正在看文字的你们，因为我说的两体便是“理智”与“感性”。

作为李霄峰导演的第二部作品，《追·踪》虽然与一部“好电影”还有很大的距离，但也足显一个年轻导演的报复与野心。

从风格化的视觉效果，到贯穿全剧的《复活》概念，李霄峰满怀诚意，如同中国商业电影里的“一股清流”。

也许早已看惯西方电影，甚至更近一些的亚洲电影的观众，对于这种概念的结合早就司空见惯。

但是作为生存于当代消费主义文化盛行的中国商业电影市场，被各种“网红IP”和“流量偶像”充斥的年代，能有勇气在大荧幕制作这样的影片，于国内的观众都是一件好事。

说完赞美之词，此片当然还很多“槽点”。

没有悬疑的悬疑，零散突兀的叙事，粗糙的台词，面无表情的配角，这些都足以观众写篇千字文来吐槽。

但我还是想从这部影片里寻找导演想要传达的意图——从托尔斯泰的《复活》的开始。

导演李霄峰在一次专访中曾说“电影会把人变糙。

说到底，电影就是一个体力活”。

而看书，是一种奢侈的精神享受。

文学，就应该像俄国一样，“被放在一个很高的地方”。

而这部影片，李霄峰的那部在很高地方的俄国文学便是托尔斯泰的《复活》，电影从一开始便提出了一个问题“玛丝洛娃为什么爱上聂赫留朵夫？

”。

这是罗晋饰演的王栋写在书页上的文字，被钢铁厂工人，辛鹏饰演的徐峰读到，联系起了本来生活在两个世界的人。

在《复活》这本小说里，年起的聂赫留朵夫一时风流而又抛弃了玛斯洛娃，让这个16岁的少女人生直坠深渊，沦落为妓女。

在电影里面，王栋虽然优秀但是也只是个穷书生，不会跳舞，不会画画，不懂浪漫。

在这个“文学青年”的眼里，杜国金就是有钱好色的聂赫留朵夫，抢走了他的玛丝洛娃。

而在徐峰的世界里，那个残暴的继父天天折磨着他与母亲的生活，对她来说自己的母亲为何会选择和这样的“恶人”继续生活在一起，也是个未解的难题。

一个是医学院的学生，另一个是早早踏入社会揾食的工人，年龄相仿的两人青年在自己的困境里徘徊不前。

“玛丝洛娃为什么爱上聂赫留朵夫？

”他们互相发问。

于是这两个少年，游戏般地交叉性杀人，这也是《复活》真正的开始，先犯下了不可饶恕的“原罪”，然后才会有“赎”与“牺牲”。

回到《复活》原本，多年后在法庭上作为贵族陪审员的聂赫留朵夫再次与玛斯洛娃相遇，但这一次她坐在了被告席上，因为无辜卷入的命案而被指控杀人罪。

聂赫留朵夫因此陷入内疚的深渊，是他年少时的鲁莽毁掉了一个曾经爱过他的女孩的一生。

电影中，徐峰的悔意也许要来的更早一些。

当他翻开倒在海滩边的杜国金的钱夹，看到了“玛丝洛娃”的照片，他便隐约触摸到了“罪”。

而王栋，和他的“玛斯洛娃”结婚生子，踏上了中产的“幸福生活”。

没错，他成功”消解“了他的“罪”——直到他与徐峰在多年后相遇。

徐峰的主动出现，是他终于明白，只有共同“自首”才能真正面对他们当年犯下的错。

这一次，徐峰变成了聂赫留朵夫，他要去他的“西伯利亚”流放。

这场“赎罪”如同小说一样，注定充满坎坷而看不到尽头，但这就是聂赫留朵夫坚定要踏上的旅程。

这里又让我想起小说里的情节：在流亡西伯利亚途中，西蒙松对聂赫留朵夫说：“玛丝洛娃虽然她不能接受你的爱，但是她觉得你是否同意这件事（玛丝洛娃和西蒙松在一起），对她来说很重要。

”原本躺在座椅上的聂赫留朵夫被震撼得端直了身体。

聂赫留朵夫寻找的是精神的救赎，徐峰也是如此。

这里不是简单的“绳之以法”，而是直面自己的原罪。

玛丝洛娃无辜的刑罚纵然无法减轻，但是她仍然被聂赫留朵夫的行为感动了。

她不再觉得自己是一个被“贵公子”糟蹋的“罪人”，她有了开始新生活的勇气。

聂赫留朵夫也因此找到了“复活”的出口。

而电影里徐峰的赎罪，更像是圣经里所写的，王栋的心灵并没有被“感召”，随之而来的是更纯粹的牺牲。

留在墓场地上的血迹，如同基督被钉在十字架上而留下的伤痕，那是“爱的印迹”。

PS: 这里导演”非常给力“地放入了一段王栋妻子为孩子念故事的场景，向观众提示了电影的结局。

为了心爱的玛斯洛娃，你愿意成为聂赫留朵夫吗？

不是少女“爱”上的那个有钱又浪漫的杜国金；而是为了心灵的赎罪，放弃一切，永远流放于“西伯利亚”的徐峰。

是对患者叙述方式的一种模仿吧，这样说才能勉强通畅，要不然东一句西一句地讲，都不如哄孙子睡觉的奶奶编的故事合逻辑。

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“爱情啊，就是块遮羞布。

”——杜国金父亲说出的这句话，传递出了《灰烬重生》的真实内核。

听说导演李霄峰的《灰烬重生》，是因为两年多之前的平遥国际电影展。

但因为各种各样的原因没能去到现场，这份遗憾就一直留到了今天。

受新冠肺炎疫情影响，这部曾引发巨大口碑效应的影片前几天转网在优酷上映，自然就成了端午假期的观影首选。

01提起李霄峰，很多人都会想到2014年他的那部《少女哪吒》，从当年的文艺片，大跨步迈入犯罪爱情的商业类型片领域，李霄峰和他的《灰烬重生》到底能让人看到怎样的不同呢？

最直观的，就是其强大的视觉冲击效果和极具震撼力的表现手法。

比如三场杀人戏，导演的安排就颇见功力，既让观众感受到了身临其境的感官刺激，又借助镜头语言实现了对人性的深刻挖掘。

譬如马旭东被割喉一段，导演运用蒙太奇手法将其与萱慧登台表演的画面交错呈现。

一边是暖色调下的垂死挣扎，一边是聚光灯下的红衣艳影，仿佛让人陷入了一种倒错般的战栗瞬间，光鲜亮丽的萱慧更加凸显了王栋挥下手术刀时的残忍、冷酷。

那一刻，飞溅的鲜血跃屏而出，直击观者内心。

同样震撼人心的还有那些对细节的表达。

最初的王栋，没有太多城府，当萱慧投入杜国金怀抱后，他只是单纯的想要报复，包里藏上一块砖头就去了杜国金的别墅。

可当他推开别墅大门看到里面的富丽堂皇，瞬间就被拉回了现实，那种无法逾越的阶级对立。

即便向对方挥出拳头，还是很快低三下四的道歉，很讽刺的一个场景，但自此王栋开始明白，只有彻底的消灭才能不被杜国金的阶级继续压榨，他起了杀心。

值得一提的，在王栋的戏份中，音效起到了意想不到的效果，加速的鼓点、密集的虫鸣鸟叫，这暗示了他永远都在紧张的内心，害怕失去，随时警惕那些对他所占有一切造成威胁的人。

对于徐峰的表现，有一幕更堪称点睛之笔。

他回到斯城约王栋墓地见面，出门前回头冲自己的爱人莹莹重新展露笑容。

显然，那一刻他已经决定赴死。

这一幕，让人久久难以忘怀。

而对王栋、徐峰两人相识后合谋的展现，导演的安排也非常有意思，用两个男人树下相拥跳舞来暗示了他们人生的转折。

两个人的动作，很笨拙，却很开心，是那种犯案之后从未有过的轻松神情，这一刻他们一起向曾经的单纯告别，也如舞步般一同迈向了陌生又似乎难以掌控的未来。

02爱，到底是不是真正的杀人动机？

十年前，作为医学院的高材生，在萱慧父亲这个准岳父眼中，王栋是支“潜力股”。

可无法改变的事实却是，“富二代”杜国金轻易抢走了自己的爱人。

更让人不可接受的，杜国金竟是个花花公子，在得知萱慧怀孕后他试图用钱来摆平一切，让王栋成为“接盘侠”。

十年后，“潜力股”实现了蜕变，房子、车子、权力、地位，样样不少，老婆萱慧依然光鲜亮丽，女儿也得到最优质的教育，但他的内心却还是无法释怀。

从小，王栋就被父亲教育要成为最优秀的人，即便考试得到99分都是一个不合格的成绩，可为什么萱慧爱上了一个大多数人眼中的“渣男”，爱情到底是什么，难道真的只是一块盖在金钱、权力和地位之上的遮羞布？

显然，直到最后王栋也没能搞懂，被捕前他终于向萱慧发出了深埋于内心的疑问——“十年间，你到底爱过我没有？

”而萱慧只是回答了他：“杀人是不对的。

”王栋付出的情感终没有答案，看着王栋哭嚎着、抗拒着被警察抓走，连续不断地说着：“别别别......“那一刻他又变回了曾经卑微的自己，每一声的怒喊都化为了刀插在了自己的心上。

与王栋相比，徐峰的经历展现的更为隐讳。

十年前，因为自己和母亲遭受家暴，他对继父马旭东痛下杀心。

十年间他远走他乡，被杀人事件折磨，而当他带着怒气回家，下意识一巴掌扇在女朋友莹莹脸上时，却仿佛从自己身上看到了继父的身影。

变成自己最讨厌的人，这可能就是一个人最难以接受的事。

而莹莹之于徐峰，可能更像曾经那个单纯、善意的自己，有莹莹的存在，徐峰勇敢的去找回过去，为自己犯下的错去认罪。

爱情，真的只有卿卿我我、你侬我侬吗？

其实真正好的爱情，会帮助你认清自己，带你走向更好的未来。

当然，任何优秀的作品都离不开演员演技的加持。

《灰烬重生》中，罗晋、聂远、黄觉，乃至90后新秀辛鹏、姜珮瑶的表演都给人留下了深刻印象。

这其中，最令人惊喜的莫过于罗晋对王栋的塑造。

表面上，他是上进努力的“潜力股”，是首屈一指的外科主任，内心深处，却是一个为达目的不择手段的冷血杀手。

强烈的反差让这个人物自带“悲剧”色彩，那种向死而生的毁灭性魅力，极打动人。

十年前，他不惜编造“强奸”谎言，借徐峰之手杀掉情敌。

十年后，为逃脱法律制裁他又亲手结束了徐峰的生命。

这样的角色，听上去刺激，塑造起来并不容易。

可以说，罗晋完美完成了任务，其时而癫狂、时而儒雅的状态，将一个心理变态者的形象真实呈现在了观众面前，细思极恐，观影过后仍让人背后发凉。

对于罗晋的印象还停留在年初电视剧《安家》中的“徐姑姑”，那个暖心的店长博得了广大观众的喜爱，而在本片中罗晋却抛掉“好人”人设，将自己暗黑撕裂的一面呈现出来。

无论是面对爱人时的小心翼翼，还是在杀人后的冷酷狰狞，同一个人却用不同的情绪细节展现，让王栋这个复杂的人物生动的立在了观众的心里，让观众与他共情的不止是恨，更有对这个人物的怜惜。

片中，出现了很多次王栋照镜子的场景，这种巧妙的表达形式凸显了罗晋对角色的驾驭能力。

对着镜子为自己画肖像画，这样的画面让人不寒而栗，却也让人感受到了角色内心世界的转变，一个曾经懦弱的男人就这样逐渐建立自信，变成了一个颇具威望又冷血无情之人。

有兴趣的观众，还可以留意下影片前半，检查室中王栋和徐峰重逢的那场戏，只用不多的几句对白就展现出了极强的张力，也就此引入了影片的主题——对两位杀人犯各自内心世界的拷问。

03说到犯罪类型片，冷峻，是很多人潜意识中的第一印象。

无疑，这与近年来韩国电影的影响脱不开干系。

但犯罪类型片真的只能唯“冷峻”马首是瞻吗？

打破桎梏的刁亦男，用《南方车站的聚会》给出了否定的答案。

而在这之前，《灰烬重生》已经勇敢地说了“不”。

不同于近年来大多数的华语犯罪类型片，李霄峰这次在摄影和色彩运用上进行了大胆又不失巧妙的尝试。

红、黄、绿、蓝，整片的浓郁色彩对撞，让视觉冲击更强，也加重了故事的压迫感，大量特写和仰拍的出现，更将角色内心的状态和所生活的不同社会阶层直观展现在了观众面前。

要知道，韩国电影人的路子并非唯一，此前的好莱坞，《洛城机密》《毒品网络》这些经典作品早就让我们体会过了原生视角下“重口味”世界的独特魅力。

说回《灰烬重生》，片中有很多处色彩运用和镜头调度都堪称亮点。

自带红色效果的王栋，象征了鲜血和危险，自带绿色效果的徐峰，代表了对人性的客观审视，包围在暖色调下刑警陈维坤给人以安全，而冷色背景的萱慧则让人感受到了冷酷和无助。

在表现徐峰的桥段，对这一生活并不如意的角色，导演反其道而行采用了冷静、客观的镜头语言。

湖边击杀杜国金一幕，空旷的背景、静谧的湖水，艳阳高照，一切的铺垫都为随后的击杀赋予了更为强大的冲击力。

而按照导演的话说，这场发生在艳阳之下的谋杀也代表了更深一层的涵义——只有敢于展现阳光下的罪恶，才是一部真正具有生命力的电影。

而片尾王栋和徐峰的墓地对决，更是全片集大成之处。

吞没一切的红光搭配上角色近距离的面部特写，将人物濒临崩溃时近乎扭曲的变态内心展露无遗，完全是一段可以写进教科书的神级操作。

如果细心观看，你还会看到在王栋被抓后，电影院内外呈现红、绿光对比两种色调，绿光外泄而出的电影院仿佛一个“鬼门关”，让王栋这个罪人最终被捕。

《灰烬重生》对各个角色、场景不同的氛围营造，既在潜意识中给观众带来了沉浸式的观影体验，又让人看到了华语犯罪爱情片全新的打开方式

一切社会关系的总和之外还有一个幽灵“玛斯洛娃为什么爱上聂赫留朵夫？

”这是李霄峰的《追·踪》里两位男主角之间的密语，也暗示了影片的一个态度，将托尔斯泰在《复活》里全知的道德俯瞰拉入到了角色短兵相接间困惑挣扎的道德修罗场。

《追·踪》利用黑色电影类型的道德模糊精细的构建了一部表现主义的心理道德剧。

在这个人人都可以利用公式大言煌煌“道德沦丧”或者心安理得“沉沦游戏”的时代，《追·踪》以如此古典抽象的方式来讨论道德与人性，显得孤僻得如同一个挣扎在酒精与混乱中的私家侦探。

方励在影片中客串的那个身陷囹圄的杜局长，莫测高深的引用着马克思，“人就是一切社会关系的总和”，这个异化了的极端“唯物主义者”所展现的无情，恰恰是整部影片所挣扎困惑的对手。

影片试图在这个无情的世界里找到一处情感与道德的安放地，重音从政治经济场域的“社会关系总和”移入了道德场域的“人”。

影片里的每一个角色都充分而复杂，五个主要的男人：野心勃勃的医科院学生，不堪暴虐的青年工人，固执困惑的耿直刑警，孤独暴力的流氓父亲，多情而又无情的官二代阿飞，无一不在各自的“社会关系”中挣扎。

两位年轻凶手的凶器都是各自的工具：榔头与手术刀。

他们的出发点都是上个世纪的标准叙事，无产阶级的反抗压迫，资产阶级的替换兼并。

但这种政治叙事一旦陷入到了影片所营造的道德泥潭里，就失去了合法性。

“社会关系”不得不在“人”的维度上被重新拷问。

两位施暴者使用的是拳头和权势，但影片并不安分于将他们变成一个单向度的角色，而是同时反转式的展现他们各自柔软的罩门。

这种具体的人在抽象的情境，形成了这部影片的基本特色。

流氓老爸游走于穷街陋巷，自斟自饮自言自语，这份生活重压下的孤苦，在类型角色的浪漫化借调中，诠释出了那种“有缘有故的恨”。

黄觉饰演的那个阿飞情人，他的官二代身份在那些荒诞多情的浮夸场景里被假装烘托了出来，他的无情和权势论宣言强化着这个“通俗故事”。

然而，那首在火光明灭间呢喃出的戏仿于《共产主义宣言》的“爱情的幽灵”，却戳破了之前所营造出来的虚张声势。

而那位固执得格格不入的刑警，则是一个独特的存在，他承担的是整部影片视角的投影化身。

他不是一个破解谜团的硬汉侦探，他只是一个困惑无比无可奈何的目击者。

影片前半部所铺陈的刑警的日常，所面对的生活困扰，框定了我们进入凶杀案的方式。

因为华丽的婚礼、下海的搭档等等琐碎，而升起的对于这个世界运行法则和社会关系的困惑，引导着刑警追索悬案，最终在碎片中理清事件的面貌，从而看到更为极端、抽象的困惑本质。

也成为整部影片那最后一丝美好与希望的坚定传递者。

影片的两位年轻女性，她们没有成为同谋者，相反维系着那个血腥阴郁的男性世界的对立面，微弱却又坚韧的美好，对于“爱”和“情”的悲壮的追索与实践。

影片并没有按照传统的案件线索的方式在推进，碎片式截取的段落按照情感逻辑穿插着，用情境替代了事件，在每一个高度设计的情境里处理社会关系和情感关系。

在情境的制造上，影片的表现主义倾向尤其明显，一个个从现实中暗度陈仓到抽象布景里，比如王栋练舞的段落，从“现实的屋顶”渐渐的变成了“城市的巅峰”，恋爱的青涩悄无声息地转化成了野心勃勃。

整部影片经常使用镜头的移动，景别的切换不动声色的构成悬念、反转、叙事、情绪。

在表达恋爱的时候，影片采用蹦极和单车两个精短的镜头，垂直与平行的运动轨迹，表现恋爱的不同状态和欢愉。

这种抽象的视觉表达，在布光和配乐上显示的更为明显。

大量采用的单色调拼贴，将画面拉到了心理层面。

比如最后的决斗，红色的单色调，扭曲的面部特写，让物理运动飞升成为心理活动。

而Simon Fisher的噪音式配乐，用近乎拟音的方式，踩在现实声音与人造音乐的临界点上，形成一种心理上单色调噪音的效果。

种种技法的交响中，影片演绎了一出追索之旅，对于那在一切社会关系之外的在深渊里游荡的幽灵的停歇之处。

吴觉人：上海国际电影节选片人，金马奖初审选片人。

《追踪》-阶级夹缝中的试探 看完这部影片，给我一个感觉，无论是王栋，徐峰，还是陈维坤，每个人都被卖过，陈伟坤最后找到了自己的归属，徐峰和王栋成为了悲剧。

人类从开始农作那天起，就产生了阶级，从此往后，阶级伴随着每一代人，成为了社会的一个背景。

富人压迫穷人，穷人反抗，其实富人与穷人并没有标准和定义，他们的存在只是证明了人与人之间存在差异，是不一样的，书中的天堂与地狱在现代社会中逐渐形成，也许开车只需要二十分钟。

我理解的阶级是一个下定义的动态范围，同类被区分，有了贫穷与富有，低俗与高尚，片中王栋在院长面前说过一段关于小时候考试的一段话，中国式教育便是如此，家长可以定论好与坏，该怎么做是最好，怎么做才是优秀，让我想起我家中爸妈对我说过类似的话，于我而言这和指定婚姻雷同，牺牲了本该拥有的亲情。

王栋、徐峰、陈伟坤、杜国金，是有爱情的，王栋无法理解杜国金与萱慧，他不明白即使是“富二代”杜国金其实也并不会表达爱，杜国金成为了他心中的坏人，对待坏人，他会不惜一切手段。

徐峰曾经有着单纯令人羡慕的爱情，但在那件事发生后，一切都变了，心仪的对象让他痛苦，曾经犯下的错事让他倍受煎熬，在无尽的折磨中，他选择将这一切画上句号。

王栋的爱情最初建立在误读中，他以为做了他应该做的事，他以为这样一切会变好，但直到最后他始终没有挣脱控制，影片结尾处萱慧一句：“杀人是不对的”仿佛否定了他的一切，让他欲言又止，失去了抵抗能力，在最后成伴随着一声哀鸣被警察带走。

没有人是侥幸的的，一报还一报，当时的迷惘和落差让他冲动做下的事最终还是回应在他身上。

如果我出生后未见过山洞以外的世界，那么我只能本分的活在山洞里。

如果我什么都见过，然后活在山洞里，那么我无法本分，我一定会反抗。

王栋和徐峰是那个时代的受害者，同时也是发起者，悲剧就在这一来一回中发生。

人的希望无处寄托，只得寄托于恶魔，终于恶魔有了回应，指出一条不归路，没有选择的开始，没有选择的结束。

这部影片我个人很喜欢，算是烧脑悬疑爱情，有很多看注意细节才恍然大悟，影调很独特，第一眼看以为是在红灯区😂另外很喜欢这部影片的文学性特征，Ash 灰烬。

随着年纪的增长，最怕别人给自己贴上的标签，其实是天真。

作为一个成年人，你应该具备的是强大的生存能力和日益远大的前景，你应该相信线性的进步的价值，并且承认在这个进步的过程中人总是身不由己，你应该已经接受，世界从来都是不公正的，为了生存下去犯一点错不过是权宜之计，应酬、攀附、自我吹嘘，都不是什么了不起的缺点，你应该早就习惯独自一人走在路上，自己取悦和保护自己，不再需要人群。

天真，唯独只有天真，不再是你的权力。

在电影《追踪》里，聂远扮演的警察，在看上去已经在生意场上出人头地的前同事的婚礼上，因为劝自己的女人少喝一点，被老友数落，“都这么多年了，你怎么还这样？

”这个始终没有改行，并且对多年前一桩悬案念念不忘的老警察，皱了皱眉，冷静，而不解，回了一句，“我哪样啊？

”这句听上去没什么用处的台词，就是我说的那种“天真”的声音。

我想象这句话其实在大多数人心中都经常升起，但更经常的是，一张嘴就吞了回去，像一句不该说的气话，一句没有用的慨叹，一句不属于自己的台词，被自己的理智及时枪毙，连筋带肉把那些不服、困扰、怅然若失的情绪一起都平息了。

而天真的人如这个警察，连自己有多天真还不知情。

我第一次看到这部电影，就对聂远和他的角色印象深刻。

看他出现在案发地点，四处张望，寻找证据，带家属认尸，属于那种不用穿警服就知道他是警察的类型。

看他带着必要的忧愁和痛苦，像一团巨大的决心，也像我的舅舅，像某个在地方派出所执勤的初中同学，像那些不需要联系就知道他们的人生过得多么倔强的故人——他们如同失修的船，都停泊在过去。

在这部电影灼热、诡谲的气氛里，他的角色最有血肉，也最平凡。

和导演李霄峰的处女作《少女哪吒》一样，主体故事中的所有角色都具有“原型”色彩，被赋予了许多想象和引申的空间，当他们起飞，只有这个警察还站在原地，站在过去和未来的现场，站在一个可以预料的地方。

因此我说，不论从表演风格或影片结构上来看，他都构成了这部电影的现实主义根基。

只有一个始终工作在一线、对经手的案件了如指掌、对这个职业本身的正义感有知觉的警察，才能在血案中看见不公，看见所有的不公在时空碎片中残存的证据。

如果不是他，这个故事便不存在。

他是整部电影的眼睛。

但他不拥有讲述故事的权力，他不是唯一的视点。

案件从他这里开启的那一刻，就被另外的力量掌管了。

甚至当银幕尚未亮起的时刻，你就能听到某种幽灵的轰鸣，它拖着乌黑而透明、沉重又轻盈的身子，紧紧地贴地逡巡，划出巨大的噪音，却不留痕迹。

在所有情节发展的地方，这种音效（以及整部电影的声音叙事）一再出现，不仅作为一种美学提示，也作为一支自主的力量，几乎和镜头运动同时推进，不停地交汇又错开，真正统治了这个故事。

电影的悬疑气质也来自于此，它的悬念并不在于一桩案件的解法，而在于总有一种解法是必然的。

这种必然性从一开始就寄生在死人和活人的身体里，被一点点喂养、逼迫、召唤出来。

好的戏剧绝不是偶然的，或者说所有看上去精妙绝伦的偶然，本质上都在等待一个确凿的证明。

而聂远所扮演的警察，在这个意义上也是一个“原型”，是这个更高、更神秘、更不可撼动的力量在这个故事中的代理。

至于这个必然的怪物到底是什么，是这部电影真正的秘密。

在公映之前，很难完整地谈论它。

尽管我向来相信，能轻易被剧透毁掉的电影不是好电影。

像前面说的，所有案件中人都具有超越现实主义的色彩，经过凝练的电影语言，他们的形象像是一面又一面棱镜，冷冽，迅速，短兵相接。

有人会突然问，什么最珍贵？

有人会突然答，人是社会关系的总和；还有人像哲学家，说，心软的人未必都善良。

每一句都需要停顿，需要琢磨，像鱼刺一样卡在那里。

我想象那些习惯了来电影院找乐子、图刺激的观众，大概会觉得说这些话的人奇怪。

“哪里奇怪啊？

”天真的人会这么回应。

从什么时候开始，人们开始尽量不流露真情？

电影偏要重拾这样的瞬间，把大多数人咽下去的那些话，连同我们的迟疑、悔恨、不平和叹息，重新说出来。

这反而让他们显得“可疑”。

明明大家都醉了，为什么你还醒着？

明明明大家都在追逐快乐，为什么你要扫兴？

这种可疑并不是指他们心怀不轨，而正相反，在一个人人有所图谋的年代，图谋却不能完全满足你，这显得非常不合常理。

更容易理解的角色是罗晋扮演的医生，只有他的道路清晰可见，从小要拿最高分，要娶最漂亮的姑娘，要做人上人，这是唯一合理的动机。

这部电影所讲述的，正是这种雕像被粉碎、常识被颠倒、价值分崩离析的声音。

从处女作《少女哪吒》开始，李霄峰就是同代人中少有地直接面对和处理改革开放的社会遗产的一位导演。

作为伴随改革开放长大的一代，他脱胎于这个母体，也受益于此。

但当所有人都在高歌我们在这次辉煌的转型中所收获的一切的时候，他转身发现，原来哀鸿遍野，到处散落着我们失去的东西。

它们像太重的行李，在航行中被抛入海中，成为必须的耗损和牺牲。

有的被捞出来，在片子里出现，比如，钢铁厂的特写，罗中立的名画《父亲》，托尔斯泰的《复活》，前苏联的调子，背景里一对相互搀扶的老人走过去，合唱团的姑娘们唱着，寻找往事踪影……但人们未必能够认出来，因为时代真的不同了，求生的意志胜过一切。

如果说《少女哪吒》失去的还仅仅是爱与青春，一种诚实生活的可能性，那么到这一部《追踪》，失去的是生命本身，是这种可能性在付诸实践之后、仍注定走向毁灭的悲剧。

导演把故事设定在重庆，在这座空间落差天生具有张力的城市，用了好几个触目惊心的俯视镜头。

只见那怪物掠过高楼、掠过墓地、掠过死人的眼睛，它看到亚当和夏娃，看到他们的孩子纷纷坠落，起伏的大地上露出赤裸裸的阶级。

不论是穷人还是富人，本质上都臣服于这种秩序，成为它的奴隶。

影片中所有暴力动作的音效和肢体语言，都是象征性的，仿佛是与另一个空间发生的共振，令人震颤的感觉，真实的击打或者屠杀不具有那样的速率。

那分明是一种道德感在涌动，在撞击，在追捕。

最后凶手被抓住，还是在剧场里，在公有制时代那种工人文化宫，灯光照耀在柱子上，从银幕里溢出来，他痛哭流涕，完全是宗教里救赎与受难的氛围，是报应。

“杀人是不对的。

”“好人不多了。

”李霄峰喜欢在自己的电影里造一所遗世独立的房子，用鲜艳的颜色装饰它，但不知道从哪里冒出来的，也不知道为什么会出现在那里，看起来人迹罕至，却总有路可以到达，也的确有人曾到过那里。

这些房子是一个电影导演的神龛，里面放着他相信的东西。

现实主义的方法不能完全概括，但脱离开现实和历史的参照又无法理解，山高路远，只留给他那么一条遥远的窄路，为那些逐渐沉没、黯淡下去的物品，重新涂上明媚、纯粹、严厉的色彩。

这也是他的电影一贯以来的审美特性。

这来自他对电影本体的基本观点，他相信电影制造的不是幻觉，而是彼岸，是梦境。

《追踪》里面就有好几幕，主角深爱的女孩在小城里一个老旧的舞台上跳芭蕾，在偌大的重庆开了一家花店，他用最柔和的光笼罩着这些地方，和其他残酷冷冽的部分形成对比，让它们看上去是天堂一样的存在。

无非只是在说，仅仅有一种生活是不够的，还应该有精神世界，仅仅有痛苦是不足够的，还应该有创造，仅仅有此刻是不够的，还应该有未来。

无非是在说，什么是正确的，什么是错误的。

人都有选择，出路就在那里，看你愿不愿意承担它的后果罢了。

姑且就称之为天真吧。

让这个词承担、消解所有的罪责，不必把它过度修饰成一种美德，也不要把它当做一句想当然的骂人话。

它是真实存在的情感事物，是我们身体的一部分，更是这个国家和世界的一部分。

如今，他们被嘲笑、忽略、抹去，被沉默压得抬不起头来。

因为所有人的潜台词都是，认真你就输了，谁撂狠话谁傻逼。

承认吧，历史早就证明对人心存过高的期待是虚妄的，得过且过就行了，生活很容易蒙混过关，而且科技这么发达，只会越来越容易。

但既然李霄峰坚持把这部电影拍出来了，就会有更多天真尚存的人感到一种义务——把话接着说下去。

哪怕只是一句最轻慢的提醒，下次再遇到天真的人，千万别以为他们只是配角。

失败者拥有最珍贵的命运。

电影节奏很快，悬疑类型的好题材，一定要细细品味呀～整部 影片以两个主角，灰烬般消逝的命运为主线，整体悬疑的着力点在于氛围的营造，更好的烘托出了紧张感，需要思考剧情走向和发展，惊喜又刺激的观感体验～影片讲述了一起尘封十年的悬案再次面世后，竟牵扯出两个谋杀事件背后的隐藏秘密，从而引发对人性的探讨的故事。