高潮

《独自站立》之后的加斯帕，用一部又一部视觉异常暴力的作品，2002年《不可撤销》、2009年《遁入虚无》、2015年《爱恋》，探索着困在凡人肉身里的灵魂（如果有的话）深处的那一个个黑暗角落。

一次又一次，他在死亡、暴力和失控之间，不断挑战银幕之前的观众底线。

如果《遁入虚无》将近三小时的灵魂出窍游荡还没有突破你的底线，那么《高潮》里长达一小时的大型集体嗑药现场，这些毛骨悚然的极端场面巨细无遗地呈现在面前时，你是否还忍得住不愤然离场？

相较之下，《爱恋》里的性爱场面，竟然显得有些许温馨了。

当然，也少不了那些极具辨识度的、饱和度过高的电影配色和高频率的光影交换。

加斯帕就像一个永远在蹦迪的诗人，在闪烁的霓虹灯蹦着跳着，躁动地思考人生。

Still Gaspar就算你从来没有听说过加斯帕，也从来没有看过他的作品，但若你够细心，在《高潮》影片开头的舞者casting场景中，已经隐隐预示着整个电影的风格和走向。

在播放casting录像带的那个老式电视机右边整齐堆起的那些DVD盒可以让你对电影风格有一个大概的心理预设：1981年《着魔》和1977年《阴风阵阵》（卢卡·瓜达尼诺在2018年曾翻拍）的恐怖，《索多玛120天》的惊悚和关于人体极限的实验，1982年《雾港水手》的情色和大量霓虹色彩的使用，1854年《极乐大厦揭幕》的邪典气息，1919年《切腹》的悲情，1929年《一条安达鲁狗》的奇幻。

《着魔》，文末附详细电影清单相对于加斯帕过往的其他作品，《高潮》有着更为松散的结构，几乎可以说是0剧情，与其说是电影作品，还不如将其看作一个大型的行为艺术现场（但好像，他的作品行为艺术的色彩都蛮重的）。

除了前面舞蹈场面有着非常明显的编排痕迹之外（毕竟，那个流畅的一镜到底真的是非常惊艳），电影的其余片段更像是记录片中的V-log大混剪。

电影大部分角色都由非专业演员出演，除Sofia Boutella之外，全部都是从蹦迪厅或是油管个人账户里挖掘出来的，包括那个来自刚果、柔韧度已达恐怖级别的柔术表演者。

这些舞者们也从来没有参与过大型的集体舞蹈编排表演，但在极短的磨合时间和指示之下，却成功贡献了可以纳入影史的舞蹈场面。

这五分钟一镜到底、结合了Voguing、Krump Battle等各种自由风格的精彩舞蹈编排实际只彩排了大概15-16次，在一天之内就已经完成了，《遁入虚无》大量使用的俯视镜头也行云流水地被运用在这里。

人类大型协助的脆弱性高度配合、近乎完美的舞蹈场面算是加斯帕作品里少有的“正常”内容，但正当你觉得《高潮》是加斯帕有了一个180度的风格转变，那你就大错特错了。

正是前面这个如此和谐、充满能量和活力的彩排和协助表演，才能和后面长达一小时的疯狂和失控，形成极具讽刺意味的对比和反差，反衬出前面的那种近乎完美的协助是多么的脆弱和不堪一击。

ETRE EST UNE ILLUSION FUGITIVE 存在是转瞬的幻觉比起《不可逆转》的复仇，《爱恋》的情欲纠纷，《独自站立》的绝望，《高潮》用高强度、长时间的混乱，讲述了在不可预知的因素之下，人类协作瞬间崩溃、走向无法控制的灾难的疯狂状态。

尤瓦尔·赫拉利所著的《人类简史》中提及，大型协助能力是智人得以进化、区别于其他物种的一个特征。

但他没有提及的是，这样的一种被我们引以为豪的协助精神是多么的转瞬即逝，快到近乎幻觉。

在论及《高潮》主题时，加斯帕曾引用《圣经》中巴别塔的例子。

巴别塔工程是上帝创世以来，全人类第一次（也是唯一一次）的大型协作行动，作为对上帝不再灭世保证的一种二次保证和对天堂的终极追求，这项全人类同心协力的伟大工程，最终却被上帝用语言作为武器轻易就彻底瓦解。

从此，人类因为语言不通而分裂，和走向天堂永远地说再见。

在现实里，影响人与人之间协助的不再是语言，或者说不仅仅是语言，性别、宗教信仰、性取向和种族的不同，都能够轻易瓦解人与人之间的协助；酒精和药品仅仅是这种深层排外心理的一种强化，在失控之下，所有那些潜意识的恐惧和暴力都得以宣泄，而不加节制的动物宣泄，也预示了文明的瓦解。

当大型人类文明系统奔溃的时候，只有内心真正强大的人，才能最终存活下来。

（电影引文）失控本体的讨论片头CASTING里，问其中一个舞者OMAR天堂里有什么，他回答说“一切好的事物，只有好事，没有问题，没有混乱。

”在开头也写着：A CEUX QUI NOUS ONT FAITS ET QUI NE SONT PLUS 致已离我们远去的造物主们混乱自造的主题，不断地穿插在加斯帕的所有作品里，在没有上帝引导的世界，我们是否有足够的智慧自处，那些灵魂深处的阴暗角落，我们是否有足够勇气面对。

虽然加斯帕的作品总是时不时地带有宗教意味，比如《遁入虚无》里讨论佛教的轮回问题，但在《高潮》里，他没有强烈兴趣去讨论关于上帝、关于信仰的问题，而是对人类这种轻易就能够达到失控状态不断不断地进行着本体的探讨。

那两盘被加了LSD的sangria，就和上帝的干涉一样，不可预测也无人知晓。

有很多人在问，电影拍摄时这些舞蹈演员是不是真的嗑药了，但其实真没有。

导演解释说，在时尚界有很多人用嗑药来应对压力，但舞蹈演员的资本就是自己对身体的控制力，他们关心他们的身体，也对他们的饮食有着非常强烈的控制，而药物滥用是违背这一原则的。

在《高潮》里，加斯帕不断地将角色推向情绪和行为的极端，有一些是由欲望驱动，一些是由情绪驱动，在探讨不同极端状态时，试图还原人之身体所可能达到的程度。

刚果表演者所展示的各种突破人体结构极限的柔术动作所带来的视觉冲击，让人有了一种真实不再真实的错觉。

这并不是说，在这样的一种兴奋状态之下你变成了另外一个人，你还是你，无论是在理智控制之内还是之外，并不会因为你做了平时一些不会做的行为，你就变成了另外一个人，本体的存在是事实，只不过，不同的行为需要的只是不同的触发。

MOURIR EST UNE EXPERIENCE EXTRAORDINAIRE 死亡是非凡的体验恐惧和不安全感是让人们疯狂的深层原因，而酒精、药物仅仅是将这种恐惧和不安全感以一种现实中无法达到的程度放大再放大，直到你完全失去控制。

对于感知自我，不同的人有着不同的探索之路。

《高潮》里无处不透露出福柯式极限观，后面的那些混乱让人无法不联想起这位法国哲学家逝世前那一段未经记录的加州之旅。

正是在死亡中，一个人才能逃脱各种单调乏味的生活，不再承受他把一切人拉平的影响，从而与他自己融为一体。

随着死亡缓慢地、半隐半现但已清晰可见地临近，愚钝庸俗的生命终于变成了一种个性。

一条黑边隔离了它，并把自己的真实性风格赋予了它。

摘录自《福柯的生死爱欲》，詹姆斯·米勒著，高毅译加斯帕通过那些极端且长时间的疯狂镜头，让你在电影结束之时，还心有余悸。

看加斯帕的电影总会让人精疲力尽，不仅仅是因为电影题材总是围绕着那些生命所能触及的极端状况相关，而是这样的一种近乎疯狂的情绪被他毫无保留地、甚至略带故意地、粗暴地、长时间地还原在你面前。

感官被困在这样的一种高度强化的神经刺激之中的时间如此之长，以至于你有了一种这种身体的强制失控正真真实实地在你面前发生的幻觉。

你无法不把自己代入到这种极限情绪当中，走出电影院或是合上电脑，你可能需要几天的时间才能回复到正常的心理状态去。

所以，阿根廷出生的加斯帕可以算是史上对观众最不友好的导演了，在拍摄作品中他专注于将自己极度私人化的精神高潮视觉化，这也意味着，对于他的电影，只有毫无差别的身同感受和毫无头绪两种反应。

甚至对于加斯帕的最最最忠实追随者，也不是每一部作品都能够做到无缝追捧，因为世界不存在两个完全相同的感官世界。

或许，只有在光影幻变的夜店里，把身体交给黑暗，才能感知那或好或坏的灵魂深处。

对于加斯帕，我能够理解他对极限感官的追求和探索，但作为一个不爱蹦迪的肥宅，相信探索自我有着其他更多的不同方式。

Love and peace, and don’t do drugs.附casting镜头里的DVD电影整理

母亲与娼妓 (1973)7.91973 / 法国 / 剧情 / 让·厄斯塔什 / 让-皮埃尔·利奥德 贝纳德特·拉封

着魔 (1981)8.01981 / 法国 西德 / 剧情 恐怖 / 安杰伊·茹瓦夫斯基 / 伊莎贝尔·阿佳妮 山姆·尼尔

索多玛120天 (1975)6.61975 / 意大利 法国 / 剧情 恐怖 战争 / 皮埃尔·保罗·帕索里尼 / 保罗·博纳切利 乔治·卡塔尔迪

一条安达鲁狗 (1929)8.21929 / 法国 / 短片 奇幻 / 路易斯·布努埃尔 / 西蒙妮·玛勒伊 Pierre Batcheff

雾港水手 (1982)7.31982 / 法国 西德 / 剧情 同性 / 赖纳·维尔纳·法斯宾德 / 布拉德·戴维斯 弗兰科·内罗

振动器男孩 (1994)6.21994 / 法国 / 喜剧 恐怖 短片 / 扬·高能 / Dominique Bettenfeld Valérie Druguet

极乐大厦揭幕 (1954)7.81954 / 美国 / 短片 / 肯尼思·安格 / Samson De Brier 马乔里·卡梅伦

切腹 (1919)6.91919 / 德国 / 剧情 / 弗里茨·朗 / 保罗·比安斯费尔特 丽尔·达戈沃

阴风阵阵 (1977)7.61977 / 意大利 / 恐怖 / 达里奥·阿基多 / 杰西卡·哈珀 斯蒂芬妮娅·卡西尼

生人回避 (1979)7.01979 / 意大利 / 恐怖 / 卢西奥·弗尔兹 / 蒂莎·法罗 伊恩·麦克库洛奇

魔幻迷宫 (1986)7.21986 / 英国 美国 / 歌舞 家庭 奇幻 冒险 / 吉姆·亨森 / 大卫·鲍伊 詹妮弗·康纳利最后一个《魔幻迷宫》Labyrinth不是很确定，在DVD上面写着是Labyrinth Man，但真的找不到有这个名字的电影作品。

个人公众号：DramaMatters首发【一个】APP

深深的心悸。

不得不说这部影片十分有震慑力。

同时用真实的画面描述出了混乱和迷失，失去边界的可怖。

仿佛直视了人间地狱。

而我们离那扇门有多远？

在厕格大口呕吐到失格的怀孕少女，众人魔鬼般的狂欢，毒品刺激下麻木永无休止的疯狂的性爱; 流血，暴力，尖叫，哭嚎，失控，麻痹，幻灭。

我要说这是一部教育片。

至少对我来说其中的情色镜头在环境背景下可怖又艰涩，痛苦。

我没有来感觉，说实话，我的小妹妹都吓凉了。

不得不说影片倒叙的手法，分段式的发展十分简洁，有新意。

音乐的选择，光线的排布，镜头的转换都摄人心魄，艺术处理非常好。

演员的表演也十分有张力，人物身体的曲线，肌肉轮廓，骨骼，无不极具美感。

90多分钟的影片我看过觉得仿佛此时不是黄昏而是午夜，晨曦，仿佛身处未来，太空，深深的虚无感，仿佛我一个罪人赤裸地跪在上帝面前。

影片中每一个人都是我，我经历了那些狂欢，痛楚，恐惧。

年轻的身体在流血，销蚀; 张扬的灵魂在缥缈中破碎。

推荐大家去看。

朋友介绍看的。

前一半我以为是个小成本的纪录片，用了一小半的篇幅给了主要角色对着镜头做独白。

舞蹈的张力就是展现身体美，所以对于舞蹈者，花样滑冰，体操等等职业，用身体表达美，表达爱的这种方式，我感到很自然。

后半段才是电影导演发力的部分，其中单人跳舞部分的镜头大多数用的俯视镜头，其实我觉得也许用玻璃地面，仰视的镜头更好一些。

舞蹈演员在仰视状态下，在地面上翻滚，从下而上的看，更会有一种色情和偷窥的意味。

然后基本就是一镜到底的手持镜头，用各个演员的转场把人物的个性展现出来。

支离破碎的。

还有一些倒置的镜头，不如在最后就一直转啊转啊，把人转晕得了。

狼人杀里有种玩法大家都比较排斥，叫做“贴脸发言”。

什么是贴脸发言的，我理解大概就是“我撒谎s全家”之类的，让大家下劲的发言。

同样，电影的张力也不应该只是简单的让一个女人对着镜头给自己胳膊几刀，给自己脸上几刀。

相比之下，那个边跳舞边撒尿的女人，都比这个更体面一点。

即使一个头发着火的女人跑过去，其他人继续跳舞，做a，这画面荒诞么？

我不觉得荒诞，毕竟我们都看过那样的新闻，一帮人围着一个要跳楼的人，大声呼喊“你倒是跳啊”。

电影画面荒诞，生活总还是要荒诞一百倍。

我在的这个景区，太多人并不是真正疯狂，只是在扮演疯狂。

他们完全可以无视周围的所有，一直跳舞到第二个白天，但他们是因为喜欢跳舞么，不见得，如果你有一双偷窥的眼睛，你就会知道他只有在有人看的时候会跳舞到虚脱，没人看的时候，这种事情半年都发生不了一回。

只是这样比较酷，比较像个痴人，骨子里还是表现欲在作祟。

逃是没有用的，但还总是要逃，天涯海角无尽头。

如果你过得挺幸福，朋友，恭喜你，你很勇敢，坚持下去。

加斯帕·诺一向以惊世骇俗的题材和影像挑衅着观众的容忍底线，今年这部新作没入围戛纳竞赛，而是去了相对低调的“导演双周”单元，依然引起了强烈的关注。

相比起前几部大胆咋舌的作品，这部新作相对不太惹人反感，还意外地具有现实意义，作为一部禁毒宣传片来看也未尝不可。

影片开头就放完所有演职人员名单的做法算是有点不走寻常路，接下来采访形形色色的舞蹈表演者的场景带有强烈的纪实意味，很难辩识到底是真的采访还是虚构的台词，让观众误以为这是一部介绍舞蹈乐团的纪录片。

无独有偶地，这部跟卢卡·瓜达尼诺的《阴风阵阵》一样，均采用舞者作为叙事的核心人物，而且都有发生在排舞室里的场景段落。

这部作品有一个精彩绝伦、值回票价的序幕：在色彩斑斓的地下舞蹈室里，固定长镜头拍摄众多舞者轮番上阵，大显身手的比“舞”，配合着强劲节奏的音乐，制造出血脉喷张的气氛，再次让观众误以为是一场舞蹈比赛的现场实录。

但当音乐停了下来，我们才发现这只是一次彩排，然后摄影机开始跟随着角色在这个仿佛与世隔绝的舞蹈室里自由穿梭。

如果不是影片开头提示这是一个发生在2006年的故事，很难从人物与环境感受到时代背景，这一点跟《阴风阵阵》里刻意渲染时代氛围感的表现手法不太类似。

我反而觉得这部作品像俄罗斯导演亚历山大·索科洛夫那部一镜到底的《俄罗斯方舟》，整个故事发生在一个密闭空间里，镜头跟随着角色在博物馆/舞蹈室里逡巡，只不过这部《高潮》并没有用一镜到底的90分钟长镜头挑战观众的忍受力。

尽管如此，这次的长镜头算得上是加斯帕·诺作品里最多最复杂的，最后那个长达半个多小时的运动镜头算是一次效果不俗的大胆尝试，我觉得难度跟毕赣《地球最后的夜晚》里面那个3D长镜头不相伯仲。

360度不停旋转、彻底上下颠倒的镜头设计让观众感受到剧中角色喝下混入迷幻药饮品后神志不清、精神错乱，乃至癫狂失控的情景，其后舞者们匪夷所思的自残、血腥、暴力、乱性行为的刻画算是导演一贯嗜好的重口味与恶趣味标志，不过这回导演似乎充当了一次禁毒宣传代言人，令观众彻底体验到迷幻药对身心的巨大危害，甚至对有子女的家长来讲更是当头一棒！

也许是改编自真实事件的缘故，我觉得影片的叙事部分略显单薄。

灯光色彩、舞蹈和音乐的部分可以给满分，充分彰显了导演的作者标签特色，然而舞者之间的交谈片段和对白充斥着极其无聊的男性荷尔蒙色彩，互相嫉妒与勾心斗角的女人。

人物角色的刻画也比较浅薄，酷儿角色的设计只是惊鸿一瞥，却遗憾地没有太多延伸。

最关键是“舞蹈”这个要素没能给叙事情节上发挥出太多推进作用，或者产生任何联想空间，仅仅只是展示舞者的精湛舞技，实在有点浪费。

这一点来看《阴风阵阵》反而做得比较好，撒旦献祭与舞蹈紧密相连，在影像上不断制造出惊悚悬疑感。

也许是年龄的关系，加斯帕·诺这部新作显得比以往要成熟些，逐渐摆脱掉以往过于沉溺的自恋意味，开始将作品的触角伸向现实世界，主动勾探出或有或无的社会意义，实属罕见。

Climax高潮.导演: Gaspar Noé.剧情：Climax是一部由GasparNoé執導，撰寫和共同剪輯的2018年心理恐怖電影。

這部電影是法國和比利時之間的國際合作製片，於1996年冬季在同一棟大樓內拍攝，並由二十四人（由Sofia Boutella率領）的大型舞蹈演員拍攝，描繪了法國舞蹈團彩排後的晚會。

當每個人都吃了藥物所調製的桑格利亞水果汽酒後，人們變得越來越激動和困惑，慶典變得更加黑暗。

這部電影以其與眾不同的風格和製作而著稱，僅在四個星期內完成構思和預製，並在短短15天內按時間順序拍攝：儘管Noé設想了這一前提，但電影的大部分未在現場進行預演。

演員現場即興表演，他們事先沒有進行任何對話，並且在故事和人物的拍攝地點幾乎完全自由。

Climax具有不尋常的編輯和攝影選擇，並且包括數次長時間拍攝，其中一項歷時超過42分鐘。

這部電影的演員幾乎全部由除了Boutella和Souheila Yacoub之外沒有任何表演經驗的舞者組成。

Climax在2018年5月10日於2018戛納電影節導演雙週的部分首映，並且贏得了藝術影院獎。

它戲劇性地於2018年9月19日在法國由Wild Bunch發行，並在2018年11月21日在比利時的O'Brother Distribution發行。

這部電影獲得了好評，許多評論家稱讚影片的方向，電影，配樂，舞蹈和表演，儘管有人批評影片的暴力行為和缺乏故事情節。

.感想：這是一部宣揚禁毒的影片。

很欣赏一镜到底的拍摄手法，在同一场景内要求所有演员都需要在戏内，摆脱了我们观众固有的思维模式，运用了非常多有意思的构图，比如最后翻转90度的画面，让观众感受到经过这次后，他们的世界被倒置。

有很多自由贴着地面走的镜头，让管总作为一个沉浸其中的一角去感受这个情景下发生的人和事。

还有俯视的镜头，让观众置于一个上帝的角色，同时因为主题是跟舞者相关，在这个角度更加能展现一个非同寻常的视觉，舞者身体灵动的肢体张力得到更好的体现。

一开头面试的片段看似无聊，其实最能把观众的心扣住，并为后面无法想象的世界做了很好的铺垫。

让人不禁感叹到多么美好的一群年轻人因为药物一晚上会发生如此悲伤的事情，一个晚上的时间可以把人伤害到体无完肤。

最近我都在思考人的欲望有多无穷无尽。

其实这部电影就能展示出来。

让我印象深刻的还有其中一位怀孕的女性并没有服用水果酒，但是她在一群神智不清的人的教唆下，竟然伤害自己，杀死自己腹中的孩子，可以看得出来人的影响力是无穷的，即使处于清醒状态下也会被人洗脑，觉得错误的是自己。

还有母亲和小孩让我觉得很悲哀，母亲为了不让小孩受伤所以把他锁起来，反而让他碰到了电，随之母亲也因为痛失小孩而伤害了自己。

这部电影延续了导演一如既往的色彩鲜艳，他利用了很多奇幻的灯光，打造出一个不同寻常的空间。

运用了新奇的拍摄角度，以及富有张力的拍摄视觉，把观众置于不同的角色，开头就像面试官的角度去观察，影片中段又如审判者的角度去观察，最后就如其中的一个沉迷的角色一般被投进了这个漩涡当中。

但是我认为唯一不足的是这部影片的故事结构不完整，似乎是在描述一个很简单的故事，但是没有一个很完整的框架去支撑这个故事，让我感到很可惜。

但是也无法让我不为这位导演的叙事手法而感叹，让人无法预料到影片的下一秒会发生什么。

导演特有的平面设计方式，延续了一如既往的多形式的字体与画面结合，打破了影片前后才会出现的演职人员表，而是把这些文字用海报形式的展现手法放置于影片当中。

我不禁感叹到他场地上的运用，其实他只运用到一个舞蹈室和宿舍的空间，但是展现了一步90多分钟的电影，在这个空间中运用长镜头，展现了一系列时间和情景的变化，这体现了任何局限空间都不会是创作者的限制。

版权归作者所有，任何形式转载请联系作者。

作者：Lizard（来自豆瓣）来源：https://www.douban.com/note/701353982/影院好读版能在年底看到《高潮》這樣的作品實在相當幸福，在我個人的觀影經驗裡頭，「爽片」常常都不是「爽片」，往往一走出電影院不久我就忘了，不論是對電影本身，或者是電影的影響，甚至因此很少跟朋友進院看「爽片」，因為我的恐懼在於，走出電影院後，我不能維持興奮感與朋友不斷的討論那部片。

我希望電影能在我的大腦烙下某些東西，如同大腦在人長期吸食毒品後的變形，我也追求這種變形，卻希望從思考後取得。

對於毒品，基本上我是達利的擁護者，，他說：「我不需要毒品，我就是毒品。

」在一些文化裡，頭與性器官呈現對立，在我們的語言裡有這樣一種說法：「男人總是用下半身思考」在這樣的說法裡潛在的邏輯正是如此。

然而實際上在那硬邦邦的腦殼裡軟綿綿的東西，才是我們最大的性器官，因為太監仍然能從各種方面滿足性需求，無論是從累積錢財的愉悅或者從肛門的洞穴，甚至手指的吸允，然而一個無大腦者卻無法感受到愉悅，甚至從精神病人上的種種研究告訴我們，你不需要移除他的大腦，你只要破壞一些特定的區塊，讓他們失去連結，一個人就可以感受不到任何的愉悅。

《高潮》滿足了我的需求，作為一部電影，它滿足了我的官能與智識的渴求，這分別代表了１我們希望電影提供怎樣振奮人心的形式？

２我們希望電影提供怎樣振奮人心的意義？

這實在很難做到平衡，因為若一部電影花太多心思在意義及論證的辯證與推導上，而失去了對於電影形式的追求，就常常淪於無聊，而我們進電影院的一個目的是為了娛樂的，另一個目的，則是好奇，關於我們未曾想像到的未知之地的呈現，在別的電影這可能是任何東西，而在《高潮》裡頭則是人自身的極限，極限的狀態是不利人的健康的，換言之把人逼向死亡，然而如果我們參詳本片結尾用來提示的字卡：「死亡是非凡的體驗」結合片頭出現的那場大雪，以及那位居法國旗中央的白色，我們就掌握了一個能夠維繫全片的意義：「只有死亡是平等的，而這樣平等的死亡無所不在，因此它也是普遍了，而再怎麼平庸的人都能藉由死亡達到一回非凡的體驗，那就是平庸的人終身未有的高潮。

」《高潮》所指的法國絕不可以代換成任意國家，因為電影開頭就先給了一個人在大雪中吃力行進，最終吃力的倒下的影像，並給它打下了「由１９６６年冬天事件改編」，它完全是可以不必要的文字，不必要的提示，一種象徵性的圖像，然而導演卻打上，應著導演的邀請，我想這是一條通往歷史的線索。

整個１９６０年代，在法國１９６８年爆發學運前，在學生身上就不斷的醞釀對威權不滿的情緒，如對戴高樂的不滿，還有對資本家、社會制度、社會風氣等等……，毛派、托派、還有種種受到沙特存在主義思想的學生（沙特的存在主義來自德國，然而在沙特的手上『存在主義』與社會運動完全結合，與其取材的胡賽爾與海德格之調性可謂大相逕庭，妙的是五月風暴中學運領導人尼爾．孔-本迪（Daniel Cohn-Bendit）也是德裔人士，順帶一提，如今我們談到「浪漫」想到法國，但「浪漫主義」實則出於德國。

）站了出來，於是在法國掀起了風暴，不只學校停擺了，被學生激發內心不滿的工人們也站了起來，讓工廠隨之停擺，換言之以法國經濟停擺為代價，學生們發起了一場「高潮」。

當然這裡並沒有要斷定《高潮》的導演加斯帕·諾埃就是要指涉這個年代的社運潮流的具體事件，因為在我看來作為一個創作者，他做的是更加透徹的消化後融化進自己的作品之中，也就是透過呈現一個典型，它自然而然呈現了一個氛圍。

所以我們看到了滿滿的紅在《高潮》之中，這除了讓人想到法國國旗所謂博愛（博愛失了格度就成了濫交。

）以及左翼（紅旗在法國大革命裡擔任一種標誌，意在向現行制度發起挑戰）而自然而然的，那缺席的藍在本片也就意指著制衡者的缺席（藍與紅為相互制衡之色）以及自由的缺席（在慾望的支配下人無自由可言）而這樣的狀況不只出現在１９６０年代，還出現在法國大革命中，打破制度，爭取自由的革命，最後都變成無法控制的暴行，而兩次革命都有相同巧合，１．他們同樣都受美國影響而產生，如美國獨立運動影響了法國大革命，反越戰浪潮則促使了五月風暴，２．他們都造成了人民對能穩定秩序的獨裁者的渴求，前者替拿破崙鋪好了道路，後者則讓戴高樂更獲信任３．這兩場革命的傷亡多非來自對反抗對象的反抗，而是來自隨時間增生的內部矛盾的衝突。

所以光從紅藍白色彩的用與不用，或許早就揭示了《高潮》裡人們的歷程，起初人們歡欣雀躍的享受在自己小團體內的自由，他們都共同有一個目標（前往美國在舞蹈上闖出名聲）但隨著他們意外喝下被下藥的水果酒，這個小團體逐漸分裂成各個小部分，人們的矛盾開始顯現，因為理念的不同起了口角，口角無法調和，便昇華成了自相殘殺，最後在彼此筋疲力盡下雙雙倒下，所以與其說《高潮》揭示了人們的「本性」我更傾向於其呈現了一種「藍色」缺席的必然結果，他從歷史走向了普遍性，故走向了藝術。

前面提到了沙特，除了那句「存在是轉瞬的幻覺」裡提到的「存在」是沙特哲學重要的核心概念外，《高潮》在場景設計與橋段設計上也相當神似沙特的劇本〈密室〉（另譯：禁閉、間隔）者沙特把三個人丟到一個密室內，分別是同性戀的女人，異性戀的男人，異性戀的女人，三個人相互追求，相互傷害，形成相互折磨的三角形，沒有人的欲望可以實現，沒有人的痛苦可以減輕，談話對相互理解無益，只是瓦解對彼此的信任，他們更意外發現在這裡既殺不死他人，也殺不死自己，最後三人在大笑之後了解他們就是彼此的刑罰，而因為他們都死了，所以他們無法擺脫這種痛苦。

沙特著名的：「他人即地獄」便由此而來。

沙特以此來表現自己「存在先於本質」的觀點，人的想法是什麼並不重要，決定人是「什麼」的是人「做了什麼」因此劇本最後那唯一的男人說：「好吧！

我們繼續下去吧。

」因為他們在地獄，而一切都不可逆轉，無可救藥。

而在《高潮》裡頭，加斯帕·諾埃同樣也將舞者們禁閉在一個室內，由於外頭下著能致人於死的雪，所以沒有出逃的可能，裡頭的人物多了許多，關係線也複雜了許多，然而沒有變的是那種「求之不得」的痛苦，在藥效逐漸發揮之後，或焦慮逐漸擴散之後，你可以看到人們都渴求著另一個人，並因為自己的渴求無法得到滿足而痛苦著，同時，ㄈ型的空間設計卻又不斷給予渴求可能性，你在這邊不能得逞，那到另一邊總行了吧？

大廳－走廊－休息室各有一個直角，當然中間還有比如電源控制室，廚房，浴室等等空間，但不改變整體的ㄈ型，於是這便給了《高潮》更多的操作空間，比如所有事件的層遞出現都可以用聲音來誘發觀眾的不安，「發生什麼事了?」對未知事件的恐懼都讓觀眾更加的不安與興奮。

而燈光的調控與鏡頭的旋轉更是不斷變化空間給人的感覺，導致這空間明明只是個ㄈ字型卻好像迷宮一樣，尤其從廚房通往寢居室那邊，每一道門都不時撩撥觀眾的情緒，我們對門後將發生什麼完全無法預防，因此這個密室保留著種種偶然性。

而有趣的是在攝影機跳脫拍攝群舞視角，黏在個人身後移動，用來作為主要視角的三個接力者也是兩女一男，分別是女主沙瓦，一個黃色爆炸頭的女同，男主大衛，大衛追求沙瓦，但沙瓦不願接受大衛，而黃色爆炸頭的女同在屢次與自己的女同情人高個黃色爆炸頭求愛不成後竟也轉向沙瓦，而且得到了沙瓦的吻，彷彿是沙特《禁閉》（密室、間隔）的翻版，當然這是個漫長的過程，《高潮》之中所安排的感情線是複雜的，而且是多線進行的，我們聽不到人物的獨白，只能看到角色與角色之間的互動，隨著時間的推進，所有互動都愈加強烈，於是關係被揭示的更加明顯，而言語都變得更加多餘，如同女角口頭答應一位夥伴會保守她懷孕的祕密，卻在另一女黑人進來的暴力姿態下害怕的吐實，導致該夥伴被女黑人憤怒的攻擊，並踢擊至其流產（或許他們之間有情感關係，而不只是該夥伴欺騙所有人自己沒有懷孕那麼簡單而已。

），而那位流產的夥伴之後憤怒的找女黑人理論，卻反遭更暴力的對待，甚至被逼到樓梯間無力的坐倒，她拿著刀無力的恐嚇眾人與女黑人，然而所有人卻在一旁鼓譟，於是她用拳頭將自己打至流產，並用刀切割自己的肌膚與臉龐，而所有人哈哈大笑，這橋段與沙特那部《禁閉》（密室、間隔）極為雷同，建立自我的極端，就是比他人更殘忍的傷害自己，甚至是自殺，因為如果自己傷害自己的夠深，他人的傷害也就無足為道，而如果自己殺害了自己，他人則無法殺害自己，這是貫徹「我」最極端的道路。

但「我」又是什麼？

這個答案在《高潮》裡頭至關緊要，因為藥物的功用只在於將他們逼入極端的處境，造成一種強迫性的反射，正如人在瀕死時可能因為脊椎的反射勃起一樣，那反射出的正是他們的「我」，即他們慾望的直接實踐，因為平時的「我」在理性的掌控下，慾望只能間接實踐，成了社會化的「我」，所以「生命」是集體的不可能，在集體下產生的是我們修剪後的「我」作為一種運動的「生命」在集體下被凝滯了。

集體不只修剪我們，集體還很有可能是不讓我們覺得難受的，宛如「天鵝絨的牢籠」的，集體給了我們「最佳模式」讓我們去順從，久了我們便忘了其他的可能性，所以沙特在《存在與虛無》舉了簡單易懂的例子，一個服務生每天都用那一套「服務生模式」來過他的生活，久了他就不知還有別的生活，他的存在不是他給出的，而是他雇主給出的，他的本質被他者決定著。

所以必須把這一層外殼溶掉，使得「我」浮現出來那麼，藝術是不是就是「我」的直接實踐呢？

我想導演早有提示，那是在片頭眾人那需按編舞來進行的精采群舞，在那裡時理性仍然存在，使得慾望技巧性的化為各種動作，在那裡，慾望在理性的壓制下被間接化了，正因為你不能直接的進行你要做的事，你必須展開思考，尋找替代的方案，同時具有相應的技術來實現，而替代的方案正是藝術的起源，因為藝術就是繞遠路，殺一個人錄影起來沒什麼厲害的，製造一個殺人的錄像卻不殺一人才叫厲害，展示一顆石頭沒什麼厲害的，用一大顆石頭雕出另一顆同樣的溪流石頭才叫厲害，性在藝術家身上總是最重要的，就如同在所有人類身上一樣，但對於藝術家而言，他們具有將性衝動轉換為藝術作品的力量，於是，本來將在發洩之後轉瞬消失的性能量被保留了起來（如果無套性交的話則可能會化為孩子）存在人類的各種藝術中，藝術就是繞遠路，搞反動，吃麵包叫生活，不吃麵包叫行為藝術，用馬桶叫生活，在馬桶上簽名再展示叫裝置藝術，跳舞叫生活，在舞技上精益求精叫藝術，繞遠路是脫褲子放屁嗎？

或許是，但脫褲子放屁的感受絕對不同於穿褲子放屁，而且大多數人都寧願節省時間不脫褲子放屁，所以他們永遠不知道脫褲子放屁的感受。

藝術的功能在於拓展生活邊界，拓展我們的「世界」，拓展人類感官與人類思想的邊界。

而這正是《高潮》所提供給我們的，藝術不是「我」的直接實現，而是作為「我」的間接實現。

那麼群體不在時，是否個體就不能追求藝術呢？

我們也可以看到，當群體瓦解時，在整個瘋狂的夜晚，有一位黑人老兄從頭到尾都沒停過動作，不斷的從晚上跳到早上，那是他的理性與慾望同一的表現（也就是他才是那個視舞蹈為最高價值的人，而他用行動證明了這點，而在其他人身上，舞蹈都只是手段，而不是目的，手段乃是通往某目的的手段，而目的總是那最終的目的。

）最後我想提一下《高潮》刻意顛倒的敘事結構。

一開始的雪景與最後高個金髮爆炸頭滴麻藥進眼睛後看到的白色是同樣的白色，也就是說他們是可以連接在一起的，你可以把它當做一張唱片，是倒轉過來播放的，你可看到對稱的死－活－死，這也是為什麼在一開始白色畫面的結束後就跑完了一長串的工作人員名單，另一方面，而他們出現在電視機上說著自己的理想這件事則完全不能用來定奪具體時間的（因為實際上我們不知道是誰在看這段影像，也不知道這段影像是在學校事件發生前還是發生後被播放的）此外，在這時序上所出現的「致已離我們而去的造物者」也可以說是後頭發生的種種一切的結語，因為「上帝已死」這個由尼采提出的宣言正描述了這種由於人們舊信仰破滅，進而無所不為的亂象，人們毫無準備的跌入虛無之中，卻沒發現到正是自己的盲信殺死了上帝，上帝因人們的愚蠢而笑死。

尼采並不關切「什麼樣的信仰是真實的？

」而是「信仰對於人而言是什麼？

」對於長期被自己信仰所奴役的人們，一旦重獲自由，便不知所措，他們無法成為自己的主人，而只是不斷的讓自己被役使，在被舊信仰奴役時，他們被道德役使，在舊信仰破滅後，他們被慾望役使，一旦沒有被給出的意義（即《高潮》中前往美國之夢），他們便不再自我看重，於是當他們得到了生命，卻根本不知如何使用，生命對他們而言只是急待出清的累贅，急待變現的財貨（在藥癮中胡做非為而非跳舞）他們知道要追求極限，追求非凡體驗，卻不知此對己有何用，因此他們的信仰是與他們慾望分離的，進而是虛假易破的。

整部電影的敘事宛如一張黑膠唱片，他們是循環式的，希臘式的，永不疲勞的生死，就像尼采晚年提出的「永恆輪迴」（既是形而上概念也可能是宗教概念）一般，一切你所喜愛與厭惡的都將回歸到你身邊，因此你的每個決定都至關重要，而你無能迴避的事物日後都將不斷的再次回到你身邊，所有事件也都將再次發生，再次循環，而在此提到尼采也非空穴來風，胡亂生節，因為他正是海德格重要的研究對象，而海德格的《存在與時間》啟發了沙特的《存在與虛無》。

而沙特，他則是那個少數學運學生願意聽他說話，被排除在學生們討厭的「學院派學者」以外的學者，他的思想影響了整個學運世代。

總之結合上一篇無雷論及這部電影的文章，我認為這是一部貨真價實的「爽片」同時也是一篇賞心悅目的藝術論文，因此我推薦本片給大家，希望大家都能進院欣賞。

Quelle déception! De quelle autre façon pourrait-on juger un film mal-écrit et mal-joué, alors même que la qualité du tournage reste mitigée ? Une question centrale se pose d’elle-même : est-ce que les précédents succès de Gaspar Noé avec des non-pros du cinéma ont-ils gonflé outre-mesure la confiance du réalisateur quant au potentiel d’outsiders & d’amateurs? Leur performance laisse sacrément à désirer… Les dialogues à deux sous qu’ils récitent, banals et superficiels, ne font pas leur apparition pour la première fois chez Noé: mais l'absence d'intérêt des conversations en soi était contrebalancée par l'immersion hyper-réaliste du spectateur, par la création d'une atmosphère palpable & intime, par le rétrécissement de la distance inhérente au médium. Ici, futilité et puérilité ne font que s'ajouter au vide d'ensemble, et pourraient même être taxés de laxisme, puisque souvent filmés en plans fixes (interviews sur cassette en début, commérages infinis de soirée mettant en avant jalousie ou excès de confiance).Le script est d'une pauvreté et d'une faiblesse difficilement acceptables. Celui-ci repose d’ailleurs sur un événement précis (l’ajout d’un ingrédient inattendu dans la sangria) qui déclenche un virage vers la moitié du film (largement prévisible). Mais le réalisateur ne montre pas cet événement, alors qu’il aurait pu catalyser le développement et se proposer comme moment majeur du film. L’une des fâcheuses conséquences est que l’on doute pendant un instant que cet événement même se soit produit – mais peut-être est-ce là la volonté du scénariste ? La méconnaissance du coupable et de son acte n'est en définitive qu'un prétexte pour un bad trip collectif et l'accusation abusive que subissent certains personnages. A aucun moment celle-ci ne devient un mystère qui crée du suspens pour le spectateur, ni même la volonté de celui-ci de découvrir le conspirateur. Les spectateurs avertis (qui savent que la LSD s’administre aussi par gouttes directement dans les yeux) comprendront qui est le coupable dans la dernière scène du film. Malheureusement, cette révélation n’a aucun intérêt ; et le film aurait très bien se terminer sans que l’on sache qui est le coupable. L’on pourrait aller même jusqu’à dire que vu la direction prise par le réalisateur, il aurait peut-être été judicieux de ne jamais le savoir (et donc ainsi de garder un doute sur le fait même que le dérapage soit dû à la prise inconsciente d’une drogue – les hommes étant responsables de leurs actions, peu importe leurs consommations, et comme dirait l’autre : l’illusion plus vraie que la réalité). L'utilisation des techniques cinématographiques qui font l'identité du réalisateur est à nouveau présente mais celles-ci n'ajoutent pas toujours une certaine valeur à des plans qui auraient été filmés plus conventionnellement. Alors qu'elles étaient justifiés par le scénario ou par l'ambiance dans ses films précédents, elles semblent redondantes ici (flashs de lumière dans le noir, tournoiements). Certaines bonnes idées sauvent certaines séquences, comme celui du plan sur le verre, qui introduit par l'image le dérapage que le mot n'a pas encore exprimé ; ou les plans overhead durant les moments de danse, avec une chorégraphie qui semble spécialement travaillée pour un tel rendu.Au final, les seuls moments d’innovation et de plaisir visuels sont bien ceux-ci, ceux de la danse sensuelle et virevoltante, au-delà des conventions sociales et des cadres figés dans sa pratique professionnelle. La danse est ici presque libertarienne, ou du moins libératrice, inclusive et jouissive. Il est à déplorer qu’il n’y en ait pas eu davantage. Climax aurait pu être à la danse ce que Love a été au sexe. Etant donné les nombreuses prises d’oiseau, il aurait peut-être même été possible d’avoir des doubles pour la danse (ou l’inverse ! le casting étant bien plus danseur qu’acteur !), et donc de s’offrir de vrais acteurs pour le reste.En ce qui concerne le message… y en a-t-il déjà eu chez Gaspar Noé ? Quelques slogans pseudo-politico-poétiques en lettres majuscules nous sont jetés en pleine figure sans effleurer le moindre début de réflexion. Et il en est de même du drapeau ou des quelques bribes placés ici et là dans les conversations. Nous ne sommes pas dupes : Gaspar Noé est un amateur de débauches en tous genres, il est aussi fasciné par les développements cauchemardesques qui surviennent comme autant de catastrophes humaines, et ses films reflètent fidèlement ses fantasmes. Pour détourner le philosophe, on pourrait conclure que de même que tous les réalisateurs ne se valent pas, tous les fantasmes non plus. Celui-ci ne méritait pas peut-être d’être filmé.

开局一个人

今天，兰桂坊要入驻西安。

（题外话）主体思想应该就是，这些空虚的年轻人，被无处安放的荷尔蒙照料的年轻人。

上帝给予了时间加持，让他们明白生命的真谛。

只可惜，年轻人并不重视时间这个概念。

他们和时间赛跑，活在当下，今朝有酒今朝醉，和上帝的意志渐行渐远。

那一处景象，仿佛被上帝抛弃一般。

真人真事，你敢信。

而且这片子怕人在电影院跑完，干脆先上了字幕和片尾名单。

玩这个玩的有创意的，我想到了推拿。

那个通过片头读演职员的片子。

不跳舞，就自杀。

不看电影，就自杀。

不听音乐，就自杀。

这些东西是一种信。

跳舞，唱歌，写作，人这一辈子能够找到一个让自己陶醉其中的舞台，真的很重要啊。

这些希望抓住机遇的年轻人。

所以，这些酒醒后的家伙们，真的会把这个当做一种经历吗？

濒死实验后，的重生。

其实，我们都有一个印象，就是小的时候喝酒，第一次喝的醉生梦死之后，第二天醒来之后，感觉自己成长了。

似乎就是这种莫名的感觉，不是么。

醉死之后，无人照看，一人承担，面对后果的酒醉体验，对于青年而言，不就是一次死后强大么。

谁说醉死不是一次成长谁说嗨死不是一种生命的体验

好吧，亲爱的，你是最秀的

Me: 我不也是这样么？

周五晚上的一人独酌。

很开心了。

以后也就没有了，不是么

所以他们是一帮有思想的青年人啊

假大空奶奶 应该是最不喜欢的一个人了

神与我们同在的时刻 很幸福了 可以这么说

不喝男，说来也幸运

小屁孩 这个时候觉得他也别的性福

大卫约炮是出了名的，女生基本都会躲得远远的。

红衣妹子聊的内容是有点煞风景没错，这也是为后面她的命运做铺垫。

所以全片没有傻嗨，也不是真的什么剧情都没有啦。

导演还特别谦虚的说，我只是拍现场罢了。

出生是独一无二的机会死亡是一种体验这种警示性的标语突然出现的时候，就好像大字报贴到自己家门口的感觉一样。

单身母亲带娃带了这么大，不爱他是假的。

尽管他妈妈太爱浪，这也是没办法的事情。

宿醉的第一理论: 一定要绝对安全，醉前安全，醉后也一样。

喝酒的时候更是如此。

导演为什么把最浪男和最正经安排在一起呢？

我只能说互补。

这对话，很有趣了。

所以，女主是浪女思维的代表。

也是典型欧美人享乐主义的典范了。

当然，这也是一种人生观了。

最爱的一对兄弟人设。

没下线的意淫，我是爱看的。

没有哪位人士不爱看吧？

吃鸡二人组，小娘炮在向大胖讨教经验，作为过来人的大胖就这么安慰道

俄罗斯方块组之后，就是毒性恶化

站尿

一群被毒克制的人（超想打jinx）推理出来了 不喝酒的家伙会投毒。

但是宿醉的小胖子你又怎么看呢。

这种不过脑子的借口，在毒性发作的他们看来是可以接受的。

但是骨子里，他们作为酒醉的家伙，是不愿意看到那些清醒的人的，不是么？

所以按照这个投毒，找投毒者的线索，他们之间发生了一些很有趣的事情。

比如:

被打的孕妇，这个有点狠。

另外，说一下从迷醉之后的王家卫似的灯光设计。

都很出彩。

失控，没人会理会别人的伤害或者被害，他们已经进入了完全自我，以及希望寻找彼此融合的诉求，和人不行，就和音乐。

旋转吧。

这导演是拍 十大禁片之一的家伙。

无法撤销善用旋转镜头和让人想吐的镜头

太邪教了，这句台词

什么事情都没发生……但愿吧……

为啥 茫这层白，以及滴眼球的女孩就可以看出一切。

啊啊啊啊啊终于标题出来了，可是也结束了。

对这些嗨爆炸的家伙，表示充分理解。

我从来没吸过毒但是我喝过酒所以明白，喝嗨了之后的美好 自我 与 解放。

就好像在写这篇影评的时候，我正在喝酒一样。

想到最可怜的，是那个失去妈妈的小家伙。

但显然，小朋友也喝了，而且他是最容易受到毒品影响的那一类人，希望他都好。

有的人说吸毒是为了得到快速的快乐。

其实，这个事情说的有点复杂。

人为什么喝酒，本质是逃离束缚枷锁，换来心安，麻木痛苦的一种选择。

至于嗨，只是一种副产品罢了

是人间地狱，亦是人性的修罗场初看电影《高潮》（Climax 2018），我感觉它像一部一直没有出现魔鬼的鬼片，尤其是影片后半段所营造起的氛围，真地很恐怖。

然而，静下心来再看一遍时，我发现这又是一部有关人性实验的电影，只不过这次的实验场被导演加斯帕•诺设置在一个偏远废弃校园中了，时间是上世纪90年代的某个大雪纷飞的夜晚，实验对象是一个由23位舞者组成的群体。

已有网友贴出了电影首映式后的“导演的访谈录”（https://movie.douban.com/review/9398882/），导演加斯帕•诺明确表示这不是关于“嗑药”，而是关于“酒精”的电影。

这说明导演无意于借此片来进行禁毒宣传，虽然客观上它可能会有这种作用。

他对“酒精”的解释是，某些药物在酒精的作用下能让人产生直达地狱的感觉。

结合本片，我们就能理解了，为何在影片在前半段舞者间还是彼此和谐的，到了后半段很快就创造了一个人间地狱了，“酒精”正是这种转变的媒介，而“地狱”是被用来观察我们真实人性的。

我们不妨从“人间地狱”创立之初谈起。

一开始，这个舞者群体还是彼此团结协作的，虽来自四面八方，但3天就能排演出一场漂亮群体舞蹈，说明他们是个正常的舞者群体。

年轻人聚在一起，“性”往往是永恒话题。

他们愉快地聊着的性事，有可能是他们的经验，也可能仅仅是想像，但其间透露出的是是非非便是“人间地狱”的祸源。

开启“人间地狱”模式的正是人性。

如果说，涉“性”便是“是非”，那么，“是非之人”便是人性。

这种人性基本特征往往是人们发泄私欲、制造事端的首要动因，即便在我们这个临时拼凑起的舞者群体中也不例外。

当有人开始感到不舒服时，虽然每个人都是嫌疑人，但被赶出屋外的人是那个想维持不伦兄妹之恋的黑人兄长的情敌；正是基于这种不伦的“私欲”，这家伙还在后面对那个叫大卫的白人舞者大打出手，虽然表面理由是种族仇恨。

无论是针对前者，还是后者，这位黑人兄长实现私欲都是借助了群体的力量，典型的“公报私仇”吧。

“人间地狱”会释放被压抑的情欲。

当人处于极度痛苦状态时，所谓的规则、风俗、禁忌等对他都很难再起作用了，相反，这种状态往往会将那些平时被压抑的负面情感激发出来，所以，我们能看到种族仇恨、乱伦、淫乱等，尤其是种族仇恨，最易被点燃的。

一般来说，任何一个群体，在紧急关头往往能够出现一个领袖人物，带领大家度过难关，但为何这个舞者群体自开“地狱”模式后一直就是群“乌合之众”呢？

再想想这群舞者中，黑人占大半吧，偶有局部成气候时，那也是为了起哄打架作准备，难道导演也有什么想法？

当然，我宁愿相信，地狱般痛苦让这群人失去了应有的理智，但我绝不相信，真有人希望这种局面的存在，毕竟这里没有赢家，维持乱局对谁都没好处呀。

“人间地狱”排斥积极人性面？

导演在这群舞者中安置了一个孩子，颇有意味。

孩子是最弱者，永远值得同情。

若一个群体无法善待孩子，或一个人对处在危险状态下的孩子无动于衷，基本可以判断，它或他没有人性。

最后孩子死了，难道导演就想证明这点，地狱之中无怜悯？

这或许有点悲观了。

事实上，当那个叫卢的怀孕女听到孩子哭喊声时，她是想上前施救的，那个叫瑟瓦的女孩，听到孩子呼救，也在尽力安慰他，这应当是地狱中的人性之光吧。

导演对人性还没有丧失基本的希望。

还有一个值得思考的问题，即导演做这个人性实验，以及由这个群体所展现出来的问题，有没有扩而大之的警惕意义。

比如同样情形，如果出现在一个更大的群体、一个民族或国家中，我们应当如何应对呢？

（文/石板栽花 2019年2月25日星期一）

这是那种要在电影院看的电影，当然如果你家有媲美电影院的音响以及媲美电影院的荧幕的话就没差了故事很简单，一群活力四射舞者在一间学校练舞，所以在我们结束冗长的一两段影像后，一段紧凑华丽的群舞让我们的眼睛大饱眼福

你与电影只差一个公号：电影新鲜度不过这还是一开始而已，这时摄影机还像被按住的猎犬，乖乖的不随意乱动，很快的，黄汤下肚，一切都将颠倒过来，正如一个醉酒的人所见，正如一个精神错乱者所见，正如一个天才所见……

所有的空间都将开始旋转，朝我们的瞳孔席卷而来，然而这不是一瞬之间完成的变化，就像前戏一样，需充满耐心的做足，那是一个缓慢而不无趣的过程人们在中场休息分开来对话，所有的话语都溢满费洛蒙，这让我们庆幸我们不在现场或惋惜自己不在现场，因为现场肯定薰的要死。

《高潮》就像一锭沉入我们胃袋的春药，起初似乎稀松平常，一切安好，但是在我们的皮肤下，肌肉悄悄动了起来，而我们毫无自觉我们尾随一个接一个舞者，我们看他们与其他人的互动，然后在听了一串又一串的对话后，我们发现世界开始旋转，就像转不停的黑胶唱片一样，措手不及

还没准备的，我们的感官渐渐一个又一个被打开，那些接受外来刺激的孔洞，被偷偷的打开，等到我们意识到该阻止那只打开孔洞的手，我们的身体已沦为欢愉的奴隶，只能反射性的回应所有刺激音乐一波又一波的灌进来，影像一波又一波的灌进来，我们眩晕在那变形的空间，却又死命的抓着那使我们痛苦的一切不断摇晃，摇晃着没有停下来的可能，垂危的理性告诉我们：「停止！

」于是一切慢了下来，人们的话语清晰了，那些抱怨，那些不得已，那些不如意 …

欲望抢过麦克风，告诉我们：「继续！

」于是，镜头发癫了，舞者发癫了，我们发癫了。

一切以等加速度运动，一切运动以等加速度前进，更多的色彩，更多的拍子，更多的抱怨，更多的口角，更多的推挤，更多的更多全都搅在一个玻璃杯里

但是怎么样都不够，于是加料的手没有停过，搅拌的手没有停过，直到搅不动还不停下，像是过度旋紧的螺帽，终于，汤匙断裂，碎片溅射，玻璃杯破了。