冰淇淋与雨声

好久没有看过这么尽兴的电影了。

74分钟一镜到底。

不用在意故事细节，但完全能融进演员们的情绪里。

电影演员、电影中的舞台剧演员、电影中舞台剧的角色都是演员本名，现实和剧情的界限模糊但立体。

台词又燃又丧，MOROHA的拉普真的很搭作品。

（拉普喊得越大声观者哭得也能更大声（褒义「时间会解决一切，将之化为乌有。

但是我还是不想这样，因为那些东西都是属于我的。

因为再坏，再不堪，也是我的一部分。

还给我！

还给我！

让时间带走一切你甘心吗？

」「“太好了。

真的太好了。

”得让自己强大到能说出这样的话。

」（把艺术视为梦想的人，为了目标拼命的人，真是太浪漫了。

（松居导演拍拍热血挺好的，「安昙春子下落不明」那种有点无病呻吟的意义不明……（后悔经过下北泽的本多剧场门口无数次都没有进去过（每个人都是有意识的宇宙（果然，年轻真好啊（因为字数超了几个就直接放影评了……（快毕业啦，但是没毕业之前，我还是觉得能追梦的话，真好。

从拍摄手法、场景搭建和服化道上看，《冰淇淋与雨声》是继拉斯冯提尔的《狗镇》之后再一次颠覆我的影片！

《狗镇》是用线条、人造光和极简道具来拍摄，而《冰》连这些都彻底抛弃了，手持镜头下，演员们穿着自己的衣服，用粗糙的道具和身边的物品随时随地就开始表演，他们只要一开口说台词就自动进入戏里，自带BGM。

影片的背景音乐是Moroha乐队，一个弹琴一个扯着嗓子说rap，竟然很有日本武士的风范，他们就像《兰戈》里面的猫头鹰乐队，如空气般存在，唱出人物内心爆发的情感。

与同样是戏中戏的影片《法国中尉的女人》相比，《冰》对“现实”和戏切换方法更胜一筹并且有内在的逻辑。

一开始还能从演员捧剧本和导演指令来区分“现实”和戏，但是随着时间的流逝，演员也在成长，台词更熟稔，演技更精进，最后只能通过画面比例的切换来区别，因为“现实”的人物情感已经和戏里人物完全同步。

再加上演员就用本名演出，所以有时候看得入神，甚至注意不到画面的变化。

当他们正式换上戏服站在台上准备演出时，影片却停在了此刻，谢幕了，因为大家都知道演员们的火候已经到了，他们会演得很成功，毋庸置疑。

影片还有一个出彩的地方，即对“现实”时间的艺术处理，同一个镜头下，演着演着就自动过渡到了几天之后，这种根据人物心情而不是根据场景变换来交代时间流逝的方法很让人着迷，因为这一点，整部影片真正做到了一镜到底！！

【清存货行动】第一次看一镜到底的影片。

影片好像没太看懂，或许是青春对梦想的执着，不管怎样，最后还是站上了舞台，虽然没有观众，没有掌声，但站上了舞台，那就行了，那份热情被保存，那就够了。

丧丧的，但对未来还是很有希望。

很喜欢最后的rap独白和片尾曲「遠郷タワー」的词：億千万のため息を吸い込んで、希望の言葉に変えて吐くんだ。

億千万の涙を飲み干して、決意の言葉に変えて吐くんだ。

億千万の雨風に流れ、億千万の花が散る。

それでも、一回きりの人生に命をかけて、命を描け。

心の中に咲いた花の名は火花。

生きてる限り叫ぶ花言葉、命をかけて、命を描け。

時間は、時間は全部解決してくれる。

失恋も屈辱も後悔も全部時間が解決してくれる。

今までだってそうだったの。

憎しみも痛みも苦しみも、ついにはいった夢も、やいたがったことも、譲れなかった思いも、全部時間が解決して、なかったことにしてくれる。

それでいいんだ、それが楽なんだ。

それでいいはずなんだ。

だけど、俺は、やっぱり嫌だ。

やっぱり嫌だ。

だって、それは俺のだ。

だって、それは、格好悪くとも、みっともなくとも、それは俺のだ！

返せ！

返せ！

時間に解決されてたまるか！

返せ！

返せ！

返せ！

「遠郷タワー」

冰淇淋与雨声，简单直白的名字，中二病的气息扑面而来；剧情也是干脆利落：讲的是小镇里即将上演一出舞台剧，出演的是通过试镜选出的少年少女们，但是这场舞台剧中止了......在意剧透的朋友可以安心了，导演（富有深意）大大咧咧的把故事梗概打在大屏幕上，当然这跟“多年以后，奥雷连诺上校站在行刑队面前，准会想起父亲带他去参观冰块的那个遥远的下午。

”的开头差不多一个意思：人总归是要死的，但生活还得好好过，是吧？

电影画面是从一个对着镜头说唱的大叔开始的，歌词关于时间和逝去的青春。

然后是舞台剧的导演讲戏的环节：故事的开端是朋友要搬离这个小镇，讲述痛苦的回忆，人物的挣扎，目的是描绘青春期的疼痛。

接下来随着画幅的拉宽，电影正式进入了剧场模式（少年少女们排练戏剧的镜头）画幅的切换贯穿了整部电影，作为电影中发生的事和电影中的戏剧里发生的事之间的界限，在切换的多次重复后，这个界限逐渐变得模糊，作为观众一不留神就被带入不同场景中的表演。

加上演员们透过屏幕直接对着观众的视线和独白，进一步淡化了观众和屏幕的边界。

你我是在和电影中的演员看着同一场舞台剧，观众被拖入与电影中的现实那个维度。

所谓剧场效应，在现实生活中表现为，人们习惯通过一个画面隔开一段距离去观赏别人的喜怒哀乐，生活被戏剧化，本身成了一座大剧场，人既观剧，亦被动演剧，在不自觉状态中被彻底异化，抛出了自我，生活于别处，人们的生活处于佛教所说的“依他起性”的状态而没有自性。

作为梦的延续，被选中的少年少女们意料之中的上演了一场硬闯话剧场的大戏。

记得某个伟人说过“梦想总是要有的，万一实现了呢？

”，导演的套路还真的是母猪带胸罩，一套又一套啊。

虽然说在所有令人绝望的结局中，“幸福的结局”是最最令人绝望的结局，还是让人忍不住的想看一眼梦实现了的模样。

同时，让观众去回溯，如果舞台剧最终没有上演的预设被打破，那么历经的这一切会不会有完全不同的意义。

如同，早已分手的恋人和多年的老夫老妻去回想从初见到相爱的点点滴滴。

然而，强撸的春梦不甜。

当你踌躇满志的踏上舞台，发现面对的是空荡荡的观众，所有注视的目光，赞赏的掌声全都来自你自己的想象。

如同某人死了，却不愿意死去，他不断归来，刺痛着生活的鼻息。

如同哈姆雷特的父亲，活死人的归来是为了提醒活着的人去清偿未完成的债务。

梦想的第一次死亡是被现实撂倒，梦想的第二次死亡是被我们亲手掐死，这时候梦想才真正死去。

原发布于我的个人公众号：久石乞。

了解一下？

很少粉的公众号：久石乞

导演很有想法，一镜到底打破时间界限，新颖地表达了一个记录式的故事，整场电影拍摄完感觉就像一出舞台剧，这也得益于导演多尝试不同表现体裁以及和不同工作的人合作获得的各异灵感。

个人感觉但这部影片的硬伤在于形式大于内容，演员的演技还无法做到快速转换，所以戏里戏外感觉略显僵硬（也有可能是导演故意表现剧中人物的表演功力不足），情绪与思想的输出到位，但是感觉说唱部分太过，不仅接受不了这种揪心的表达，也感受不到他传达的思想。

假如你辛苦排练很久的节目最后被取消，没有任何挽回的余地，你会怎么办？

会不会依旧想要完成表演，即使观众席空无一人？

shatsu向两个人问了这个问题，回答说毫无意义的，是我妈妈。

而青春期的妹妹却说，这不是很棒吗？

仅仅从这两个回答里，就能稍微感受到青春的态度吧。

提这个问题，是因为今年最特别的青春片，它有着很好听的片名：《冰淇淋与雨声》。

故事发生在2017年3月，小镇里即将上演一出舞台剧。

出演的是通过试镜选出的6名少年少女们，但在开演前一周，这场舞台剧被迫中止了。

他们即将登上舞台的梦想就此失去......以初次排练为开始，电影全篇用一镜到底的方式表现了一个月内发生的青春群像物语。

最特别之一：华丽的形式全片74分钟一镜到底，没有cut、没有剪辑，光这一点就是最大的噱头。

一镜到底，需要导演对镜头的调度流程和演员走位精心设计，拍摄前要经过多次彩排、练习，拍摄过程中工作人员的全力配合，对演员的演技也是严格的考验。

错一点就要从头再来，如果多次NG，不止精力在燃烧、经费也在燃烧啊。

敢挑战一镜到底的导演，都是有两把刷子的勇士。

《冰淇淋与雨声》（下面简称冰雨hhhhhhh）的导演松居大悟却否认了这是炫技，而是一种“只能这样拍才行”的执念。

电影要拍的是被中止的舞台剧，而舞台剧从拉开帷幕到结束之间是不会停止的，还有比一镜到底更合适的拍法吗？

技术性的东西普通观众可能不太敏感（shatsu看了十几分钟才觉得有点不对劲），真正让它特别的，是观感。

将舞台剧的台词和真实对话无缝衔接，用画幅的宽度改变提醒观众：哪些是戏、哪些是真。

一开始，我们还能从剧中排练的指示明确划清界限，随着剧情发展，一个击掌、一个抬头演员就能在入戏和出戏之间跳转，观众也渐渐搞不清“戏中戏”里的现实与虚构。

不仅是迷失在虚实之中，一个长镜头展示一个月时间的流逝，字幕的提示、演员情绪的转换，连时间的概念也一并模糊起来。

本片的音乐制作更是将电影的复杂程度加上一层，直接由RAP组合MOROHA在镜头里、在演员们的旁边现场献唱，有时甚至会有眼神互动，宛如LIVE现场。

就像戏剧中的歌队（一般是合唱团），通过唱词给剧中的场面增加动力，为剧情设定整体情绪，仿佛在提醒观众：这是一场戏。

这一点，正是导演松居大悟的本意。

身兼电影导演与戏剧导演的松居大悟想要拍的，是一部介于舞台剧与电影分界线上的作品。

最特别之二：这个导演很热血作为“冰雨”的导演和编剧，1985年出生的松居大悟给电影带上了属于他个人最大的标签“年轻”。

制作这部电影的契机很苦涩，和剧中人物一样，现实生活中松居负责的某部舞台剧被中止了。

他将感受到的不甘心、难过和气氛诉说给了MOROHA的成员Afro。

听完这些抱怨后，Afro问他：“你现在的心情，过了半年、开始新的工作之后就会忘记了。

这样真的好吗？

”如果不为现在的心情做些什么，以后一定会后悔。

仿佛如雷灌顶一般，松居决定立刻以”舞台剧被中止“为主题制作一部电影。

“冰雨”中，松居大悟也本色出演了舞台剧导演这一角色。

电影中有这样一幕，大家被负责人告知因为惨淡的预售情况，舞台剧被迫中止的消息后，一个一个失望的离开练习室。

女主角拉住了导演，哭着问他为什么会这样，没有其他办法了吗？

导演只是不耐烦地表示自己也没办法，转过头就走了。

这里的松居导演，或许就是现实生活中那个没办法为自己作品争取机会，只好选择妥协的“大人”。

他是戏剧届、电影界的希望之星，也是没有那么多人脉资本的新人，远称不上有话语权。

三十几岁的年纪又必须考虑到现实，不得不放弃一些事情。

所以他将反抗的重任交给六位主人公，给不甘心的自己一个交代，创造出最后的《冰淇淋与雨声》。

最特别之三：目光如炬的少年少女选角阶段仅仅只花了四五天就募集到了约400人，最后8名青少年脱颖而出。

甄选条件不看演艺经历，只相信眼睛里的光束。

电影中他们都用本名出演角色，又用本名出演戏中戏的角色，人戏不分，最大程度在镜头里展现自我。

饰演女主角好友的田中怜子完全没有演戏的经验，因为一腔热情，从大阪坐车来到东京参加甄选。

为梦想背井离乡的经历激发了电影主题曲「遠郷タワー」的创作，也是电影中不可缺少的角色之一。

在所有角色当中，女主角的戏份最重，几乎没有离开镜头的机会，可以说观众就是从她的视角进入电影的。

你可能会不记得其他人的名字，但一定忘不了女主角森田想。

她没有特别漂亮的脸孔，却有作为主演的压倒性魅力，从头到尾保持充沛的情感。

排练时与导演对演技的理解产生矛盾后，森田想走到窗边叹气的侧脸，有种苍井优的感觉。

这是电影中为排练精疲力尽的森田想。

她独自练习台词，然后出其不意地直视镜头、直视屏幕前的观众，带着冷笑。

这是舞台剧中漠视人生的森田想。

和伙伴们一起闯进剧场被抓个正着的时候，她带着哭腔大说出舞台剧里的台词：“我们都是个性不一的小宇宙啊”这是电影中的森田想，还是舞台剧中的森田想，又或者是同样渴求一个机会的、现实生活中的森田想？

这群少年少女都是十八九岁的年纪，为这部电影注入了青春最鲜活的力量。

无法停止的青春电影临近尾声，舞台上的六个人站成一排，观众席空无一人。

那一刻他们是什么心情？

作为观众的我们又是什么心情？

松居导演说，世上绝对存在无法用语言来表达的感情。

“冰雨”就是这样一个复杂的生命体，让青春迸发出强大的生命力，于是见证一切的你哭了。

像MOROHA唱出的歌词一样：时间啊 时间可以解决一切失恋、屈辱、后悔 全都会在时间中得到解决以前也是这样过来的憎恨、疼痛、苦楚甚至连有过的梦想、嫉妒过的对象、无法转交的思绪时间都会一一解决 将它化为乌有这样就好了 这样就放下了但是我 果然还是不想这样 还是不愿这样因为那些东西都是属于我的因为再坏再不堪也是我的一部分人为什么无法忘怀青春的记忆，无法忘记年少时燃烧生命一般的热情，因为那才是最初原原本本的自己。

没有人永远十八岁，但永远有人十八岁。

--首发自公众号 shatsu东京时间

一镜到底：时间的凝固与流动松居大悟的《冰淇淋与雨声》以74分钟一镜到底的拍摄手法，将青春的热烈与虚无编织成一场视觉与情感的实验。

长镜头既是技术挑战，也是叙事核心——它既凝固了排练到演出的线性时间，又通过空间调度实现了时间的跳跃式流动。

演员穿梭于公寓、街道、剧院之间，镜头如幽灵般游走，将几周的排练压缩进一场“即兴”的连续表演。

这种手法既呼应了青春期的混沌与无序（“时间在流逝，我们却原地踏步”），也让观众被迫直面角色情绪的连贯性与破碎感。

然而，长镜头的意义不止于炫技。

当镜头跟随女主角森田穿过走廊、推开门的瞬间，场景切换与时间跳跃被无缝衔接，现实与戏剧的界限悄然溶解。

正如导演所言：“一镜到底是现实与电影永远无法实现的奇迹”，它既是对传统蒙太奇的叛逆，也是对青春“不可逆性”的隐喻——每一步都是唯一，每一次选择都无法撤回。

---虚实边界：画幅与身份的暧昧游戏电影以画幅的伸缩作为区分“现实”与“戏剧”的视觉密码：16:9的日常排练与2.35:1的舞台剧场景交替出现，仿佛在提醒观众“此刻是表演，彼刻是生活”。

但这种提醒本身却是虚晃一枪——演员以真实姓名出演角色，导演本人客串剧中导演，戏中戏《Morning》的台词与排练者的心声重叠，形成三重嵌套的叙事迷宫。

更微妙的是，当演员直视镜头喃喃自语时，第四堵墙的打破不再是一种间离，反而成为情感的共振器。

观众被迫直面角色的困惑：“我不知道什么是现实，但这样很有意思。

”这种暧昧性在结局达到高潮：空荡的观众席与雨声般的掌声交织，舞台剧的失败与青春的胜利在此刻合二为一。

冰淇淋的速朽与雨声的短暂，最终被凝结为一种永恒的“中间状态”——既非纯粹的现实，也非虚构的幻梦，而是青春独有的、虚实交错的诗意。

---中二与虚无：青春的双重面相影片的争议性恰恰源于其主题的撕裂感。

一方面，MOROHA乐队的说唱以近乎暴烈的节奏嘶吼着“饮下亿万滴眼泪，化作决心吐出”，将少年的热血推向极致；另一方面，戏中戏《Morning》的剧本却充满虚无主义的底色——弑母、背叛、逃离小镇的绝望，与现实的“无观众演出”形成残酷对照。

这种矛盾正是青春的缩影：中二的激情与虚无的底色并存。

正如女主角森田在排练中反复质问：“改变世界的革命在哪里？

”答案或许藏在乐队的一句歌词中：“梦想是否实现不重要，追逐的过程已让人生熠熠生辉。

”影片拒绝为青春提供标准答案，而是以近乎笨拙的姿态拥抱其复杂性——热血是真实的，徒劳也是真实的；反抗是必要的，失败亦是必然的。

---形式与内容的辩证：一场未完成的实验《冰淇淋与雨声》的缺陷与魅力同样鲜明。

批评者指责其形式大于内容，台词流于空洞（如“所有人都是无聊的”），角色的愤怒缺乏深层动机。

然而，这种“粗糙感”恰恰与青春的本质相契：未经雕琢的呐喊、未完成的剧本、排练中的走音与错位，共同构成了一种“活着的证据”。

导演松居大悟的野心或许不在于讲述一个完美的故事，而是通过形式实验捕捉青春的流动性。

当镜头最终定格在空荡的舞台，雨声如掌声般倾泻而下，我们看到的不仅是六个少年的谢幕，更是所有人在成长路上必经的仪式——即便无人喝彩，也要将热情烧成灰烬。

---结语：在速朽中寻找永恒《冰淇淋与雨声》是一封写给失败者的情书。

它用冰淇淋的融化隐喻青春的短暂，用雨声的喧嚣替代缺席的掌声，最终在虚实的裂缝中完成对“存在”的确认。

正如片中那句台词：“时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存。

”当银幕暗下，我们或许会想起自己曾为某个“不可能”的梦想奋不顾身的时刻——那一刻的笨拙与纯粹，正是青春最动人的遗产。

深夜兼职时间还剩倒数三分钟当我脱下了土气的工作服时在想年中无休全天一人上班制要持续到何时看不到未来 所以感到不安看不到未来 所以也因此得救但我其实能感觉到那令我感到作呕的平凡未来那样也不坏嘛 我还没强大到可以说出这话真是太糟糕了 我也没有想过这么说不断重复着无可奈何的选择每天的时间在无情地流过没有理由般地留下一行眼泪这条街正在观察着我因此强迫自己挺起胸膛看着东京的摩天大楼有一种过于天真的幻想我才不会输给正俯视着我的大楼很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要学会这么说很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要这么说爸爸 给您添麻烦了 对不起妈妈 让您担心了 对不起我过新年的时候不打算回家了因为我没有任何一件好事可以挺起胸膛告诉你们只倒数十下 人生是不会结束的在那之后还有十一和十二我全明白的但请稍微包容我一下吧因为放弃这件事是我憧憬了很久的啊我想我最后终究会到达那里那是能够直面冰冷现实的人才可以说出的话我想我暂时还没有那个资格吧于是我现在绝对不会放弃自己的梦收集废品的垃圾箱并不在我的心里最后时刻我一定要笑着面对不 不对我要从现在开始笑到最后很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手真是太好了我必须要说出口很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要说出口很好 真的太好了抛弃了故乡 抛弃了那条街道甩开了曾紧紧牵住的手 真是太好了我必须要说出口

看完的第一感觉是惊喜，74分钟的一镜到底，突破了时间的界限，没有仅仅局限在表现短短74分钟内发生的事。

通过画幅的转变来表现现实与戏，迷糊了两者的界限。

几个年轻人很丧却很热血的故事非常日本电影，看到最后一幕有起鸡皮疙瘩的感觉。

唯一不喜欢的是里面唱歌的桥段，虽然rap的台词不错，但总觉得太过于吵闹和聒噪。

影片结束后有导演和制片人的见面会，导演讲述这其实是一个真实故事，因为去年和这群演员一起准备的一个舞台剧演出被取消，因此想要把这个故事拍下来。

本来还想要再多听导演讲一些东西，无奈实在不喜欢主持人问问题的水平所以提前撤了。

总之对于新人导演来说这是一部值得赞赏和鼓励的电影。

剧院，就是我离开的车票了 影片的最后，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

《冰淇淋和雨声》是一部戏剧与现实不断交织，共同带动故事情节向前的电影。

最吸引人的“噱头”，无疑是74分钟的影片“一镜到底”。

就像是舞台上的演出，情绪一泄到底，酣畅淋漓。

故事主线非常简单，少年们被选中出演舞台剧，排练了一段时间后，出于某种原因演出被取消。

饰演女主角的想，兴冲冲进入排练厅的时候，典型中年商人模样的制作人，正和大家解释着因为销售情况不佳，演出需要取消。

大家那么些天的排练，都“白费”了。

少年们低着头不说话。

有些人默默接受了这成年人世界的规则。

想却不甘心，拉着一些同伴继续开始排练。

故事继续，她仍然是戏里那个即将看着朋友离开小镇的“想”。

表面上是不顾一切的青春，是为了梦想的”燃”，但《冰淇淋和雨声》的故事内核，是属于青春的“离开”。

属于青春的离开，太多作品想要讲这件事了。

曾经看过一部意大利电影，滨海小镇上打打闹闹的青年，一群人中有不学无术的，有早早泥足婚姻的——也有在清晨5点乘上火车，离开仍在沉睡中的小镇的。

“离开”，无疑是属于青春的，最重要的母题之一。

离开小镇，意味着剥离平庸，拒绝泥足的可能性。

在最初的那段排练中，我们看到想和戏中的闺蜜聊起了即将的分别。

闺蜜一心要离开小镇。

她在想的挽留中，显得决绝而冷酷。

她说小镇太无聊，一切都很无聊，多数的“朋友”都是无聊的。

“除了你。

不，大多数情况下，你也很无聊。

” 她对想说。

恰恰是这出戏中戏的内核与现实中情节内核的契合，成就了《冰淇淋和雨声》现实与戏剧交织的完美融合。

少男少女们在各种现实的场景下说起了戏中的台词，流露出戏中的情绪。

除了画幅比例的略为不同，从演绎上甚至很难分别戏与现实。

因为现实中的少男少女，也是一样想要离开。

在想要逃离平庸现实和无可避免地远离青春的不甘之间，被拉扯着。

雨天，红甘撑着伞蹲在楼下，像一朵蘑菇。

她温柔而尴尬地抬起头说，不知道可以去哪里呢。

为了呈现一台精彩的剧而拼劲全力，忽然目标被抽离，就好像奔跑的赛道被人抽走，倏忽之间的下坠感。

我曾经了解这种无所适从。

是因为太突然了，大多数人会对例如团队解散、项目取消一类的事情感到“无所适从”。

下一步应该怎样做呢？

不知道啊。

就连亦舒小说中的女主角，在接到医院电话的时候也会想：戏剧真好，写一个情节，接下去就是一个转景，不用学习“接下来该怎样做”。

比如接到电话，就僵在那里了，应该怎样做呢？

戏里的孩子们想要逃离小镇，离开平庸的生活。

戏外的孩子们则通过不断地浸入戏剧，来实现他们对残酷人生的逃离。

戏里的人生，多么猎奇又多么刺激啊。

戏里的想和闺蜜成了杀人犯，神经质的想危险又富有魅力。

戏外的想是个人缘极好的女孩子，却也忍不住想要试探着超出规则之外。

“戏已经取消了。

” 对于这件事，她拒绝接受。

她在每一次与团队其他成员见面时，绕回戏本身；甚至在原定公演当日，冲破安保，站在台前奉献了真正属于舞台的演出。

她的拒绝，代表着她对于“青春渐逝，现实残酷”的拒绝与“逃离”。

冰淇淋是甜美梦境，雨声则是现实的噪音。

当然如果你愿意，雨声也可以是催人入眠的伴奏，冰淇淋则是带来满足的“毒药”。

虚幻与现实，安谧与诱惑。

红甘与想，在雨中走过拥挤的小巷，一路交谈走进剧场。

伴随着淅淅沥沥的雨，她们吃着棒冰。

一路走进剧场，梦的焦点。

剧院对人们而言，代表着什么？

对于现实生活着的人们而言，剧院就是一台造梦机。

有多少上班族，日夜加班，唯有在剧院的那一夜得以喘息，投身另一个精彩纷呈的世界；有多少戏剧制作者、演员，领着微薄的收入，只因为在舞台的释放能够燃烧真正的自我。

想和同伴们，躲过了安保，绕过了人群，偷偷来到后台，化了妆等待“开演”。

大幕拉开前，他们围成一圈为彼此打气。

我喜欢他们围成一圈的样子。

我记得4月看《罗密欧与朱丽叶》，每次开场前，那群人必然要在大幕后面这样打气。

看了十场，每次如此，让人觉得……他们有团魂？

这样说不知道是否合适，以我浅薄的理解可能确实如此了。

想和伙伴们，也是这样。

这大概就是年轻人应该有的样子。

大幕拉开，舞台呈现，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

这样，它结束了。

将虚幻与现实揉碎，捏成好看的形状，调和一些不那么美妙，非常情绪化的音乐和唱词。

这，就是它了。

即便如愿公演，想和她的朋友们，最终要面对剧院外的雨声。

我和影城的观众在周六的上午，其中有一些人哭得像晒化了的冰淇淋。