雨果

本片让我想起今年92届奥斯卡典礼上关于马丁·斯科塞斯的梗：这一点都不cinema。

在这之前的一些日子76岁的他在伦敦电影节上宣传新作<爱尔兰人>时，谈到了“漫威电影不是电影”的看法引起了热议（热议的一部分原因是媒体对他原话的断章取义），同时他还在《纽约时报》上发表文章解释这个说法，文章很长，写出了他对电影概念的看法，同时对目前电影业界各方面的变化产生担忧：今日的很多电影都是为快速消费而生产的完美产品，其中很多都是由才华横溢的人们组成的团队做出来的，同样，它们缺乏了一个电影必须拥有的要素：单独一位艺术家使之成为一体的视野。

以及艺术家与商业之间的矛盾催生伟大电影的现象不复存在，视听娱乐与电影偶尔有重叠但大部分情况下都处于分离状态，而拥有经济支配地位的一方会令另一方更加边缘化存在。

上述说的都是截取他原文中的部分观点，一位一直在实验的社会学家并一直在稳定输出的老牌导演，他的个性和观念很难让人揣摩甚至有时候感觉互相矛盾。

他表现出对电影发展方向的担忧，也是希望这一艺术形式能更多的向艺术靠拢并产出很多形式内容上优秀的作品。

现探讨下他2011年的<雨果>，凭借着优秀的视觉效果和充满细节的画面斩获了五项奥斯卡金像奖，展现了上个世纪好像是30年代巴黎的城市样貌，其中也参杂了不少虚构想象的成分。

除了真实布景和数字影像，后期调色也下足了功夫，无论是精致的机械细节还是大场景，色彩细节都是十分丰富的并且迎合了儿童的喜好，又中和了柔和复古影调讲述过去的故事，使得画面趋于平衡的舒适状态。

大部分画面中近景暖橘黄色和远景冷宝蓝色的对比让画面不单调，这也是很多西方奇幻剧或电影经常出现的一种冷暖色对比的画面，使得一出现两者的结合就能让观众感受到扑面而来的奇幻感受。

有着非常强的电影质感，非常适合大荧幕观看。

因为是一部致敬影史的电影，场景中有大量的细节都在暗暗致敬某一部作品或某一位艺术家，据说连路人中都能看到名人的影子。

这种过于着重视觉效果的行为本身也是向梅里爱如魔术般创作电影画面的致敬。

imdb和豆瓣上好的评分大部分都是基于惊叹的视觉呈现和电影情怀作出评价的，毫无疑问这是<雨果>两个非常突出的闪光点，大部分影迷看到还原梅里爱创作时的情景都非常感叹。

历年来致敬的作品和关于电影的电影也不少，一部分大量依赖影迷的情怀，一部分只是拿它作为一个引子，例如2018年情人节上映的日本奇幻片<今夜在浪漫剧场>，同样是献给影迷的情话，甚至致敬了那些淹没在时光长河中慢慢被大部分人抹去记忆的电影，但我认为它将情怀与爱情故事结合的十分巧妙，脱离了其中一点另外的部分都不能成立，同时情怀上又不给人刻意做作的感觉。

个人感觉<西游记>在贩卖情怀上用力过猛，在很多综艺节目上亮相，诉说过去设备简陋的情况下拍戏如何艰苦，重现表演以前的片段。

我不否认他们所有人对艺术的贡献，只是觉得第一次看到时是最感动的时候，随着次数的增加大脑对刺激的敏感度降低，慢慢的就免疫了甚至起到了反作用。

<雨果>在情怀的呈现上也是非常认真不敷衍的，所以能打动大部分的观众。

但因为它是斯科塞斯的作品并获得了那么多的奖项，对它的期待值也增高了不少，同时也能挖掘出很多不足的地方。

对推动发展最重要的角色梅里爱和起着重要引导作用的雨果父亲刻画都浮于表面。

前期对梅里爱的“秘密”铺垫了很多，感觉兜了一个很大的包袱，展现了他想要忘记往事闭口不谈的悲伤，引起了观众的好奇想要窥探他情绪背后的秘密和一切的起因，甚至让我觉得本片能挖掘出梅里爱更深层次的东西；但实际上只是因为事业受到打击而悲伤，只是因为战争导致观众不再看他虚幻的作品而着眼于真实的东西，实际上只是他被观众冷落了。

对这一点感觉很失望，不单单是弧光变化太突兀，<雨果>里的梅里爱带着幼稚的情绪化，感觉像是参杂了主观想象，虽然这些都是人的正常情绪反应但影片只是片面的展现了他的这一方面，最终解开他心结的还是观众认可，好像他所有动机都是是否获得观众认可而进行的。

而另一个起着主要引导的角色，雨果的父亲，虽然能描写篇幅有限，但我觉得人设还是太单薄。

一位爱机械爱孩子的慈祥父亲，最后就像一个没用处的NPC一样死掉了。

此外还有几条小的趣味性的支线与主线几乎没有贴合，浪费了一些本应该精益求精的镜头。

但本片里也有用小篇幅塑造形象非常好的例子，很多儿童片里都要出现一个与主人公英雄相反的无趣的大人角色，<雨果>里的大人角色那个巡逻员，虽然有些脸谱化，但还是展现了关于他的多面性。

他和雨果同样是一个孤儿，这里可以作为一个假设，假设雨果没有慈祥的父亲也没有遇见梅里爱，那么他可能是处于哪一个成长方向？

巡逻员就是这一面镜子，缺爱的孤独和战争的创伤让他的心理停滞成长，在片中经常能看到他属于一种小孩子般的状态里，敏感脆弱又要维持表面上的尊严，孤独只能通过和大狗子说话来排解，看到另一个孤儿又产生了我没有你也别想得到的报复心理，他像卖花女孩求爱也是希望能得到外界关怀的强烈呼唤。

最终他觉得自己的“报复”马上就能成功的时候，梅里爱出现了收留的雨果，团聚里的画面只出现了他的一个胳膊，但那是属于他的视角镜头，足以感受到他的心酸、羡慕等等复杂的情绪，这时雨果得到的东西是他一直在渴求的。

最终将卖花女“安排”给了他，为了使他在最后大圆满结局里不那么突兀。

除去华丽的视觉呈现和致敬情怀还存在着不少硬伤，很多人觉得剧作层面上的不行再华丽的视觉效果都无法挽回，我觉得剧本是电影的本质，画面也是电影的本质，简单的将二者划分谁占统领地位是不明智的。

大众化的人物还有偶尔出现的刻意的表演细节，加上悬念不够的情节，个人感觉大概是处于中规中矩的电影。

可能是出于商业考虑以及两小时篇幅的限定，也许做成纪录片会更好。

许多年以后，面对上帝，雨果·卡布雷特准会回想起，他和伊莎贝拉在图书馆里翻阅电影史的那个遥远的下午。

正是在那一刻，塞兹尼克（原著作者）、斯科塞斯（影片导演）、和那个“造梦的雨果”，合力为我们打开了一扇通往世界电影史的大门，而在门的背后，站着一个名叫梅里爱的神奇老头。

记得有人问过金庸先生关于《鹿鼎记》主人公的问题，金庸先生答，他这部封笔之作的真正主角是康熙——一个道理，在斯科塞斯的导筒下，《雨果》真正的主角其实是梅里爱。

这当然首先要归功于斯科塞斯对于电影史和电影遗产保护的热情，2007年，斯科塞斯发起成立了非盈利的世界电影基金会，目的就是为后人保存那些被忽视的影片，以及修复那些遭损坏的拷贝。

从某种意义上说，《雨果》就像是世界电影基金会的“官方宣传片”，影片采取的叙事角度就像金庸的《鹿鼎记》，把虚构的角色巧妙地“镶嵌”到了真实的历史事件和人物中去，通过小雨果的奇幻经历，把一段关于梅里爱兴衰沉浮的电影史故事成功复现在了大银幕上。

提起电影的发明，卢米埃尔兄弟往往在历史叙述中占据了最重要的位置，但梅里爱的作用其实也不可忽视。

在卢米埃尔手里，基于照相术的影像展示开始活动起来，而到了梅里爱手里，电影“造梦”的功能才真正开始实现。

梅里爱，这个前魔术师和布偶艺术家，把电影变成了充满奇思妙想的光影幻术：在梅里爱之前，电影还只是匍匐于现实脚下的记录工具，有了梅里爱，电影创作则开始展现出无穷的想象力，逐渐彰显出作为“想象的能指”（麦茨）的无穷魅力。

进入现代社会以来，“艺术”和“技术”常常作为一对尖锐对立的概念范畴出现，海德格尔就认为，“技术”已成为现代社会的“座架”（Ge-stell）——对追寻“诗意栖居”的哲人来说，难免令人沮丧（当然这种理解是庸俗的）。

而体现在电影领域中，不少“艺术热爱者”都会选择性的追捧“闷片”，并对视听技术的“炫耀”充满鄙夷、反感和贬斥。

不过梅里爱却提醒我们，作为二次工业革命产物的电影，从头到脚每一个毛孔其实都饱蘸着现代技术的气息。

对电影的爱和意义可以有多重理解，但梅里爱游戏式的技术研发和视觉奇观展现，也是电影价值体现的一个重要维度。

康德、席勒都说，艺术起源于游戏，从梅里爱对于电影艺术的开拓性贡献来看，倒是颇为对榫。

梅里爱的电影事业在后期遭受了重大打击，他的拷贝被论斤出卖，然后当作废塑料熔化，制成高跟鞋跟和梳子，而梅里爱本人则在晚年沦为车站的露天玩具商，直到1928年，一些影迷发现了这位电影艺术的先驱，并且引起了一场小小的轰动，人们搜集他的拷贝并举办了一次回顾展——这正是《雨果》中所展现的电影史故事，也是早期电影史上最重要的电影遗产发掘和保护事件之一。

梅里爱、卡梅隆、斯科塞斯，《月球旅行记》《阿凡达》《雨果》，他们对视听技术孜孜不倦的追求和游戏式的热情，已然勾勒出了电影艺术的一片重要天空。

数学大师陈省身曾为青少年题词“数学好玩”，而斯科塞斯用向梅里爱致敬的《雨果》告诉我们，电影也很好玩。

中国的梅里爱在哪里？

（刊载于《南方人物周刊》2012年3月26日第10期）

读影史就很无聊，读《低俗电影：米拉麦克斯、圣丹斯和独立电影的兴起》就很有意思。

去了解最早一批电影人是如何工作的，经历了什么，后来的电影保护工作者又干了什么，以至于今天你可以下载到梅里爱的全集，或是任何一个你喜欢的老导演的作品，看一部《雨果》远比读一本苦涩的书来得有趣。

毕竟大多数人愿意被少女引路而非老妪。

之前也有一部电影，同样是冲着“奇幻”去看的，看完发现和奇幻无关，就是《仙境之桥》。

我毫不后悔看了这部电影，反而是非常感恩，看了两遍，哭了两遍。

说一个笑话，许鞍华说，让你猜不到下一秒的剧本，才是好剧本。

比如在影院里坐在我旁边的两个老人，说，诶，钥匙怎么掉火车轨上了，其实是在做梦；说，啊，胶片肯定要断掉，最后胶片没断完整的放完了。

好吧，这是一个很糟糕的笑话，证明了这片子剧情有多么不坎坷。

跟《仙境之桥》类似，这也是讲了生活中实实在在的事情。

你要开始接受与你一起做梦的好友去世的事实，也要开始接受梦想与事业被破灭的事实。

但是这些让你快乐的事情存在过，不会跟着时间一起消失。

这部电影3D效果绝佳，画面感大赞，配色非常抢眼，是我看过的最赏心悦目的电影。

它讲述了一个生活在火车站，每天给火车站的钟上发条和校准的孤儿雨果卡布莱，坚持不懈地从他父亲临终时留下的遗物--一个机器人中寻求线索，同时得到好朋友伊莎贝尔的帮助，最终他成功了，找到了家，还激励了一位曾经的电影明星走出人生的阴影。

雨果成功了，因为他有目标。

“确立目标是成功的第一步”，然后想方设法向目标努力。

他看到伊莎贝尔有给机器人上发条的钥匙，便带她来到他从来不给人看的住在火车站的家，只为得到钥匙；机器人画出图纸后，他在电影大学图书馆数以万计的书籍中搜索信息；他还拜访了一位对乔治梅里埃颇有研究的博士。

当一个人，他愿为他的目标绞尽脑汁，付出如此巨大的努力时，他很难不成功，雨果亦如此。

电影中有些话语也给我不小的感触。

金球的时候，就有戏谑马丁·斯科塞斯的言论曰，“通片看下来竟然没有刀枪，也没有人死亡……”，就觉得有趣；一个黑帮片大佬拍的儿童片会是什么状态的猜想，竟然可以让我忍住探究影片内容的一贯好奇心，耐心等到一个完整故事的展开。

一段可以称之为绵长的开头，小雨果惊人清澈的蓝眼睛，在巴黎中央火车站钟楼上一堆巨大运转齿轮之间，透过钟背面，透过某个数字框，看到的车站里的人来人往，形形色色，看到远处埃菲尔铁塔在城市的环抱中，刺眼又坚定的光芒。

一个因为相依为命的父亲遭遇火灾实事而突然成为孤儿的孩子，有着正太的外表和强大的内心。

跟着酒鬼叔叔承担了大钟楼内部维护的工作，并在叔叔失踪后一如既往。

可是他生活的重心，是想办法“累积”各式零部件，维修父亲留下的一个机器人，一个会写字的由精通机械的父亲从博物馆抢救下来的锈腐的机器人。

于是，车站里的小玩具店的老板乔治，在“被偷”良久后愤怒异常地抓住雨果并扣留了雨果以为依赖的修理笔记本。

于是雨果为了寻回笔记本，修好机器人，期待可否或许得知父亲留下的讯息，契而不舍地跟随乔治回到家门口，或是在店门口等待，只有一句话，“I want to get my notebook back.”然后认识的乔治的教女伊莎贝拉，因为乐于探究秘密而成为雨果的伙伴，一同思索要回笔记本的可能。

至此，我看得脉络清晰，却又一头雾水。

大半个世纪前的老巴黎，café的情调幽雅，车站里冰冷僵硬的巡查员不亦乐乎地抓孤儿，一回头却又因为残疾的腿而在距离心爱的卖花姑娘一尺之外戛然而止的尴尬和欲言又止，驻站卖艺的老艺术家对咖啡馆常客老夫人小心翼翼仿佛含羞草一般的情感接触，就那么活生生地每天上演，淡淡温暖，却又令人心酸。

说是一个儿童故事，似乎渗透了多些的忧伤哀愁，雨果仿佛另一个大卫·科波菲尔或雾都孤儿；说是一个成人故事，却因为孩子们的狡黠灵动，坚持努力而充满活力，摆脱邪恶算计。

当乔治·梅里耶的名字和战争一同出现时，终于明白了，这又是一部关于电影的电影，一部关于战争创伤的电影，一部关于艺术和梦想如何被现实冷冰，又如何在人性拯救中扮演重要地位的电影。

似乎雨果找寻父亲遗留讯息所以要修好机器人的动力是一条单纯的主线，但是当梅里耶的老胶片电影被郑重其事地重温于21世纪的屏幕时，牵扯着车站里纠结婉转的情结发展，一个单纯的故事，不由自主地丰富立体起来。

战争让人精疲力尽，满目疮痍，思想苍白乏力，无所谓梦想和灵魂的旅程是否还有存在的必要。

魔术师出身的梅里耶在电影史上属于里程碑式的人物，那些色彩艳丽的，想象力夸张的，充满生命力和张力，充满魔术魅力的，让人敢于触摸梦想形体的无声电影，在娱乐了一代人的青春年华之后，被残酷的战争后遗症抛进了暗无天日的历史垃圾堆。

幸好，他们总还存在于许许多多人的记忆和收藏里，幸好，在故事里他们属于可以有happy ending的电影范畴，所以有了从垃圾堆里复原的可能。

所以，想要纯娱乐的人们不一定会觉得这是个多么好看有趣的故事。

但是想要因为怀念，因为坚持，不因为现代科技而放弃传统带来的梦想美好的需要情感共鸣的人们，会淡定地感受到灵魂“rolling in the deep”的悸动。

就像这个遵循惯例的美好结局，雨果被乔治收养不再是孤儿，伊莎贝拉欣慰地在一旁一边看着雨果变魔术，一边准备着手记录这个有些曲折的故事，老爷爷和老奶奶终于坐在一起喝咖啡，巡查员用上了雨果设计的新义肢，轻快地和卖花姑娘站在一起，渐渐学会把微笑变成一种习惯一样，无论多沉重黑暗惨无人道的世界，都因为人性的柔软复苏，追求的坚持不懈，和对美梦的永恒热爱，而起码值得期待。

经典童书《造梦的雨果》改编。

是我翻过一遍再没看过，但当时却很感动的作品。

原著书籍是全铅笔的素描画面，文字很少。

就目前改编的电影来看，也完全遵照了原著。

——所以你们其实是没有画分镜的吧！！！

作为一部改编电影来讲，《雨果》非常中规中矩。

画面还行，故事还行，表演也还行。

看到最后也如原著一般，确实感动到我。

其实它的意义更多的是在对电影先驱们的致敬吧。

有人看不懂，有人大捧，都能理解。

作为献礼片，它已经很到位了。

看不懂的，想必是因为站的角度不同，把它当作普通的美国影片来看。

至于有人问：为什么一部美国片是英国口音但是又在巴黎？

我想说：原著是美国人撰写绘画的，讲的一个发生在巴黎的故事。

估计导演觉得英国口音在现代大众意义上讲，更容易让人联想到一战那个年代吧。

原著在此http://book.douban.com/subject/3026354/

这是一部太适合出考研命题的电影，一次可以出两道题：1、简述乔治·梅里爱对电影艺术的贡献，以及对世界电影的影响。

2、结合当前电影中的新技术，谈技术对电影艺术的影响。

所以这篇所谓“影评”也是为了回答这两个问题的。

一、为什么是梅里爱？

第一个问题换做三年前考研复习阶段，我一定会按照各种“教科书”的指示，在脑中归结出清晰的一、二、三、四、五，清晰得体，正反两方面说，让人没理由不给你分儿。

但现在再让我回答，我会只提一点，那就是，梅里爱是第一个真正使电影成为“好玩儿”事物的人。

电影从此成为一个巨大的魔术，带着童心的拍摄者乐此不疲的玩儿，而看到不可思议的神奇画面的观众真正享受电影带来的快乐。

之后的一百多年，多少人带着对这种神奇事物的热爱而投身其中，制造出多少让观众心驰神往的奇幻世界。

这就是他，一个魔术师对电影最大的贡献。

至于单一视点什么的，现在看来不值得一提，因为神奇效果的形成很大程度上是靠剪辑完成的。

格里菲斯曾说过：“我的一切都要归功于梅里爱。

”（这句话最早在我导师上课用的课件中看到，后来看了邵牧君先生的书才发现我导师上课的所有观点以及那句话都来自其中）西方电影写实主义和技术主义的传统都来自于法国，前者卢米埃尔后者梅里爱。

而好莱坞电影正是技术主义的最忠实继承者，也是最成功的发展者。

好莱坞电影就像《雨果》中的雨果一样，从小就是个工科天才，并且极其热衷于电影，极其热爱梅里爱。

电影对于生性活泼的美国人来说，一来是赚钱的利器，二来是做梦的工具。

美国社会近代的飞速崛起靠的就是发明专利，这其中一个专利大王就是爱迪生，是爱迪生在电影技术上率先突破，但可惜他不符合“电影”的要求于是被弃于电影史之外。

在梅里爱出现之后，一下子被吸引的美国人再也没有错失这样的机会，之后的每一次技术革新都宣告了好莱坞在世界影坛新一轮的占领。

从华纳兄弟推出《爵士歌王》到各种3D大片横行的今天，好莱坞电影立于世界电影之林的法宝，就是技术。

如今，好莱坞拥有世界第一流的电影特效技术，拥有世界第一流的置景和化妆术，这难道不该归功于梅里爱吗？

梅里爱开创的电影中的技术主义倾向在好莱坞电影身上发展的根深蒂固，永远无法抹去。

所以，斯科塞斯的电影史观是极其正确的，并且，他用形式上极其“技术主义”的电影再次证明了这个事实，好莱坞电影应该向技术主义的祖师爷梅里爱致敬，并且应该承认自己是个技术流，是个工科生背景的小子，不要企图精分来学习文科，更不要企图懂艺术了，对于一个喜欢魔术的工科生来说，电影足够有趣就行了。

这就是好莱坞电影。

二、为什么是3D？

数字时代的到来很多人为胶片的消亡焦虑了，以至于法国人开始拍摄默片获奖了。

但是，斯科塞斯的这部影片却说明了这种焦虑的多余，正是以发展的眼光看待问题，我们才会更积极的面对不可逆的事实。

从这部电影中我们释怀了，科技的进步带给电影的也许更多的是好处而不是坏处，电影向各方面无限延伸，也无限丰富了人们的想象。

不知巴赞活着会怎样看待3D，不过依照他现存的观点来看，声音和彩色宽银幕的到来既然是电影接近现实的证据，那3D又何尝不是。

从3D的初衷来看，就是为了给观众制造身临其境之感。

现在电影看起来更加“触手可及”，更加让人“躲避不及”，看起来更像是“真的”，大批观众们蜂拥至影院感受3D甚至IMAX的快感，不就是因为“更真实”么。

另一方面，3D又使电影更虚假了，因为没有人愿意花钱看一出3D版的家庭伦理剧，3D的横行使得电影又来到了梅里爱的阶段：魔术。

只有最具魔术魅力的题材才适合拍成3D，在这个意义上《雨果》其实并不很适合，但是斯科塞斯这样做了，意味着什么，以实际行动证明技术存在的合理性和光明前途。

接下来3D还会更加大规模的出现，整日焦虑和怀念是没有用的，3D电影有巨大的经济效应，有制造梦幻的更多可能性，何乐而不为。

所以，《雨果》无论是内涵还是外延都本着致敬历史，直面自身，梳理传统，迎接未来的健康心态来完成的（靠，我怎么说出这么官腔的话）。

很多人觉得单纯从“一部电影”的角度这部电影不算称职，的确，里面俩孩子演的极其之作，看了就让人生厌，但从“一部电影史”的角度，《雨果》又是令人欣慰的。

并且其中体现出斯科塞斯的电影史观和心态让人极其有好感，这才是一个真正热爱电影、懂电影，人生态度积极正面的人该有的啊！

这部电影在新加坡上映的比其他国家晚了三个月，所以昨天才去影院欣赏了它的3D版。

必须承认我被其精致的画面和色彩吸引了，无论开场如齿轮般的城市环岛，还是一上来那个在火车站内穿行的长镜头，都透着一种像孩子眼中玩具一样的美。

略微不适应的是穿行镜头前进速度快了点，恍惚中有种坐过山车的感觉。

情节的确是略显沉闷的，我觉得主要是因为不同于大家所习惯的“大片”套路，前面伏笔无数加上点笑料，后面大场面跌宕起伏出人意表。

这里更像一个安静而繁华的梦境，前面的铺垫在于帮你感受这个属于电影的世界，后面再把电影史的故事娓娓道来。

当女孩儿说“I love secret”的时候，梅里埃的夫人说“It is not the sadness child should take”，Hugo说“You should understand”的时候，我觉得这里的演技都足够足够好了。

另外想单独提一下的，其一是通往梅里埃(那个玩具店的老头)家里路上的那8个阴森森的雕像，前后出现大概三次，第一次看到时候色彩渲染的宛若目地的幽灵。

总以为后面会交代一句，比如是以前的电影道具什么的，然而却没有出现。

倒是小雨果自己的梦里好好的惊悚了一把，火车冲出站台的场景在预告片里看过后一直以为会出现在最终的追逐中，却没想到是在梦中梦里，而第二个梦，当小男孩看到自己变成齿轮和法条的胸膛，配合上当时的音乐，我俨然觉得自己穿越到了咒怨的世界，真不敢相信这还是“儿童片”的范畴。

其二是预告片里的蒙太奇运用真是各种误导，虽然似乎这种手法在各种预告片里屡见不鲜，还是让我有一种“错过了什么情节和画面”的感觉。

比如只看预告片，火车站管理员肯定是要撞进蛋糕里的，而小男孩是在慌乱逃窜中撞上的梅里埃的养女，而实际上都不是。

Machines never come with any extra parts，you know，they always come with the exact amount they need.So I figured if the entire world was one big machine,I couldn't be an extra part,I had to be here for some reason.机器不会有多余零件，它们总是需要多少就有多少。

所以我觉得，如果世界是个大机器，我不可能是多余的。

——《雨果》

論機器何以不會那般簡單地通向異化之路——當它作為魔術裝置、電影媒體乃至（雖然沒有明確提及）人工智能化的信息+情感的貯存體時，機器就被反轉為充溢精神內涵及創造力的圣靈之物。

這也就是萊布尼茨所謂的神所預設最好的世界，猶若完美的機器——當有神論與無神論、創造力與機械論融合為一，不止沒有“異化”，還是夢話的首次顯性及自我延綿。

另，Hugo小萍友可視為受到梅裡愛的魔術性的舞臺+電影技術、包括無意識+神話的創造理論的一代法國電影的中堅人物的雛形。

在沒有電影這一媒介前，他們可能是街頭的流浪漢、工廠裡的工人、甚至常年有偷竊癖的傢伙，一群徹頭徹尾的無政府主義者（所以你知道戈達爾為何一度被赤化了），而這些人實質上，卻在電影中找到了靈魂的家園、及釋放過剩的青春活力的所在，因之，反倒為恢復及延續電影業作出了巨大的貢獻。

并通過後來豐盛的電影史證明，電影工業及機器，是如何成為屬靈之器的。